El brutalismo en internet y porque algunas marcas podrían aprovecharlo.

Como todos sabemos, existen muchas corrientes artísticas, las cuales, se caracterizan por ser muy propositivas, innovadoras y con detalles muy particulares. Algunos ejemplos muy conocidos son el Minimalismo que, como su nombre lo indica,  lleva a su mínima expresión todos los elementos gráficos que la conforman; el Realismo que destaca las cosas más puras y semejantes a la realidad; y así como estos movimientos existen muchos otros.

Existen marcas que adoptan estas corrientes visuales que se adaptan perfectamente a la filosofía y su posicionamiento de marca, ejemplo: El minimalismo se adapta perfectamente a Apple, mediante la reducción de elementos logran transmitir mucho con poco, algo que podemos observar desde el sistema operativo, el diseño de su empaque, sus tiendas y medios digitales.

Pero hoy, hablaremos de una en especial: “El brutalismo”. Es una corriente artística conocida por nacer en la arquitectura llamada “Brutalista” que deriva de su expresión en Francés “Beton Brut” que significa “Cemento en bruto” tal término fue impulsado por el arquitecto Le Corbusier. Si desean profundizar más sobre la arquitectura Brutalista les dejamos un artículo de Katarimag que explica a detalle sus orígenes y algunos ejemplos arquitectónicos. 

Esta corriente posee características muy fáciles de identificar.

  • Concreto en crudo.
  • Exploración mínima o nula de color. 
  • Formas geométricas básicas e irregulares.
  • Repetición de formas.

La pregunta importante es: ¿Qué pasaría si utilizáramos este mismo concepto a los sitios web que consumimos día a día? Pues nosotros decidimos responder, así que hicimos algunos ejercicios con algunas marcas que podrían adaptarse fácilmente a este estilo Brutalista ya que están muy apegados al estilo y personalidad de la marca.

Chanel:
La industria de la moda no puede quedarse atrás, son una de las áreas con mayor innovación a nivel visual y marcas como Chanel siempre imponen tendencias. La propuesta que hicimos utiliza formas sencillas y se limita al blanco y negro; utilizamos “Manrope” (variable font) como tipografía principal y unos detalles como trazados desde el boceto.

Chanel diseño web brutalista

Vans:
Esta marca tiene la capacidad de adoptar el brutalismo sin complicaciones, mediante el uso de grises, una cuadrícula que hace referencia a “wall” y sobre ella adaptar tipografías con mucha personalidad como “Inconsolata” (variable Font). Los recortes rápidos y poco detallados hacen un diseño muy particular, he aquí el resultado.

Vans diseño web brutalista

Está claro que las corrientes artísticas poseen características particulares que funcionan como herramientas de comunicación para algunas marcas, pero muchas veces los “lineamientos” o estándares nos cierran un poco las puertas, es importante también, recordar que el internet no se hace solo, nosotros hacemos el internet, las marcas hacen el internet y como tal no debemos adaptarnos a todo lo establecido, siempre y cuando sea posible. 

¿Ustedes conocen alguna marca que pueda adaptarse al brutalismo? ¿Pueden asociar alguna corriente artística a una marca o sitio web? Compártenos tu idea.

 

Coherencia de marca

Si alguien ha pasado por alguna panadería “La Esperanza” y tiene algo de idea de cómo funciona el mundo, seguramente algo no le cuadra.
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Nunca nos ha gustado el logotipo, pero hay algo raro aquí
Todo empezó como hace 4 o 5 años, cuando La Esperanza de Moliere sufrió un cambio radical. En vez de una panadería “normalita” y de precios (y “look”) accesibles, había, con el mismo nombre y hasta un elefante en el logotipo, una panadería muy artesanal, aspiracional, boutique (no por el tamaño, pero sí por los interiores y la oferta) y muy “europea”. Sorprendentemente, sus precios no se modificaron (muchas veces nos hemos encontrado con clientes que creen que un diseño que se ve caro va a desalentar a sus consumidores potenciales; así que un punto para nosotros porque no es TAN cierto) y cada que pasamos por ahí, hay mucha gente comprando pan, pasteles, vinos, mermeladas, licores, etc. O sea que al menos parece que no perdieron nada de mercado.
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La Esperanza en Moliere
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Tan bien hechos, que se antoja comprar pan
Desde que la vimos nos pareció una movida arriesgada pero atinada y con mucho potencial, y no es la primera vez que discutimos la razón de la que la gente que no tiene buen poder adquisitivo pueda o no ir a lugares bien decorados y diseñados con cariño. Pero esperábamos una modificación similar en todas las tiendas. Esto pasó a medias. Hoy (esperamos que sea un período de transición y que pronto se corrija) todas las pastelerías La Esperanza que hemos visto cuentan con los interiores nuevos (esos artesanales y muy europeos), pero tienen en la fachada un horripilante logotipo de un elefante que hace la E y las letras azules que completan la palabra (speranza). Suponemos que el cliente tuvo miedo de hacer el cambio completo y utilizar el logotipo “premium” que usan en la sucursal de Moliere, pero la verdad, estamos en el limbo en esto. Es más, hasta la página web (http://www.esperanza.mx/) utiliza un diseño muy moderno (le podríamos llamar hipster? O esto ya es “mainstream”?) y limpio, pero mantienen su logotipo infantil y hecho por alguien que no sabe mucho de diseño (o al menos eso parece).
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Algunas cosas en la vida no tienen explicación; pero esperamos un día entender cómo se llegó a esta decisión. Nosotros sabemos, con los más de 15 años de experiencia que tenemos en esto del branding/diseño/creatividad, que el logotipo y el diseño de interiores del local deben ser parte integral de la personalidad y promesa de marca; deben ser parte de un mismo concepto. Y aquí esto no cuadra. Entonces, MUY bien a La Esperanza por reinventarse sin miedo con la sucursal de Moliere, pero MUY mal por dejar un logotipo que no cuadra con los interiores en las demás pastelerías.
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Antes y después (¿o Antes y Moliere?)

Productos emocionales

El otro día iba caminando por la Condesa cuando empecé a notar que una cantidad significativa de barberías nuevas habían abierto en esta zona. Primero sólo pensaba que estaban de moda y que por las características de la zona, se habían abierto algunas para atender a un segmento descuidado del mercado, pero después empecé a notar que este fenómeno se encontraba no sólo en esta colonia, sino en la ciudad entera y muchas personas que conocía (no necesariamente hipsters) empezaban a ir a estos lugares. Empezaron a correr por mi mente pensamientos como; ¿por qué existen hoy en día el triple de barberías (si no es que más) que hace 10 años si cabello y barba lo hemos tenido siempre?, barberos existen desde los tiempos de la antigua roma ¿por qué en el 2017 pareciera ser una necesidad nueva?

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La estética masculina en la antigua Roma.

Y es que si nos damos cuenta, las tendencias de estilos y moda en este sector se han movido a favor de las barberías. Los nuevos cortes de cabello (como el famoso “fade”) y estilos de barba están diseñados para no durar más de dos semanas, haciendo que tengamos que ir más seguido a cortarnos la barba o el cabello si queremos mantener nuestro estilo.

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Fade (o Desvanecido) es un tipo de corte que va de largo a corto (prácticamente afeitado).

Y es que en un mundo donde tenemos nuestras necesidades básicas cubiertas de forma relativamente sencilla (a diferencia de otras épocas), empiezan a surgir otro tipo de necesidades. Es aquí donde algunas marcas encontraron la oportunidad de generar valor a través de las emociones. Estas marcas se dieron cuenta que con los consumidores actuales no basta satisfacer una necesidad racional, sino que deben abordar un contexto emocional de la necesidad.

Consumimos casi cualquier cosa con la que nos sintamos identificados sin que exista en sí una necesidad racional. Es así como podemos explicar el por qué alguien que iba a cortarse el cabello una vez cada dos meses ahora va cada 3 semanas (como el primo de un amigo). Las barberías (si se llevan de una forma correcta) proporcionan un medio de asociación personal así como una proyección de lo que somos o queremos ser hacia el exterior.

El crecimiento de esta industria en los últimos años se debe muy probablemente a la correcta identificación y cumplimiento de las necesidades y deseos de sus clientes. Las barberías como marcas emocionales no sólo apoyan lo que somos sino que nos dan significados tangibles de lo que queremos ser.

*Fotos robadas de Google y Shutterstock

Cuando algo no debería de funcionar, pero funciona

Hace algunos días nos topamos con una botella de vino que nos llamó mucho la atención. Una gráfica sólida y segura de sí misma, con pocos elementos, pero cada uno con una voz muy personal y definida y colores muy atrevidos en conjunto. La etiqueta del vino “EL NIÑO”, de Campillo tiene los elementos indicados para saltar a la vista y atraer al consumidor; en nuestro libro, una gran victoria en el anaquel.

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Una botella atractiva que brinca del estante.

El problema (¿será problema?) es que inspeccionando de cerca la etiqueta, rompe con casi todas las reglas del diseño. Reglas que por muchos años han definido el “buen” diseño. Reglas en las cuales nos hemos apoyado para hacer lo que hacemos. Reglas que nos dan seguridad en que nuestro trabajo está bien hecho. Reglas que desde la universidad, han recibido un lugar especial como herramientas indispensables de los diseñadores para diseñar.

La tipografía de la etiqueta, en un color rojo brillante, se olvida de la compensación en las curvas de la “O”, que según cualquier tipógrafo que se respete, debe cruzar la línea base para verse del mismo tamaño que las letras rectas. Con la “N” pasa lo mismo: las terminaciones agudas en el asta diagonal ignoran el peso visual y se rigen más por la matemática (o sea, llegan al mismo lugar, aunque deberían ser más largas para que se vean del mismo tamaño).

Detalle de la linea base.
¿Quién demonios diseñó esto?

Otras letras también deciden ignorar a los cánones del buen diseño y no conservan los rasgos que las deberían unificar para que pertenezcan todas a una misma fuente. Las terminaciones y trazos de la “i” y “N” parecen sugerir que las letras fueron trazadas de manera independiente, y por manos distintas. Otro caso es el punto de la “i” que tampoco compensa y es del mismo tamaño (la misma medida) que el fuste (debería ser más grande). Y por si no fueran suficientes insultos, la primera “N” tiene un inicio en ángulo en la parte inferior, mientras la “Ñ” lo tiene horizontal. Y ni nos pregunten por la “i” minúscula que se coló a la fiesta.

Consistentemente inconsistente
¿Habrá sido diseñado por partes, en estudios diferentes?

Con todo esto, al final el diseño funciona muy bien. Puede ser uno de esos casos en donde hay que conocer las reglas para poder romperlas y hacer que el diseño funcione, pero nos ha causado un leve dolor de cabeza desde hace varios días. Todo lo que sabemos de diseño nos dice que está mal diseñada, pero nos encanta.

Ah, y el vino está bastante bueno. Aunque de eso no sabemos mucho…

TU CÁMARA TOMA MUY BUENAS FOTOS

¿A quién no le han dicho “¿Qué modelo es tu cámara?, toma fotos muy padres”?

Esa y muchas otras frases son de lo más común actualmente, pero para los que sabemos un poco sobre fotografía puede ser un verdadero dolor de muelas.

Es cierto que con el avance de la tecnología, tomar una foto hoy en día es tan sencillo como tocar la pantalla de tu celular de última generación con cámara de hasta 20 Megapixeles para luego aplicarle un sin fin de filtros en alguna App para compartirla en redes sociales con tus conocidos, pero al final no dejan de ser solo efectos superficiales que no pueden sobrepasar el hecho de capturar el momento perfecto con una buena composición y una iluminación perfecta. Y la verdad es que los resultados pueden ser fascinantes.

Pero para mi, hacer una fotografía va más allá de tocar un botón, se trata de capturar el momento perfecto y poder contar una historia en una imagen. Vivimos en un mundo donde las imágenes son parte de nuestra vida y dar un extra o tomarte un poco de tiempo para pensar la foto puede ser la diferencia entre un “que buena foto tomó la cámara” o un “que foto tan padre hiciste”.

Grandes maestros de la fotografía como Richard Avedon y Diane Arbus son de esos fotógrafos, que a mi parecer, logran transmitir una historia y captan la verdadera esencia de las personas a través de sus retratos.

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O fotógrafos contemporáneos como Dean West, Anze Østerman y Rankin que son de esos fotógrafos con los que te das cuenta que la magia de la fotografía no está en la cámara, si no en el ojo que hay detrás.

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Desde hace un tiempo que la fotografía ha dejado de ser un tema exclusivo para profesionales, hoy, es un hecho, que prácticamente cualquier persona con acceso a la tecnología tiene el poder de hacerse ver a través de sus imágenes. Hacernos visibles es sinónimo de existir.

La acelerada transformación de la fotografía ha abierto muchas posibilidades a crear fotos grandiosas y de ver el mundo de una forma diferente, está en nuestras manos mantener una visión crítica y crear las mejores fotografías que cualquier cámara pueda tomar.

 

*Fotografías tomadas de las páginas de los fotógrafos. 

¿EL DISEÑO PUEDE CAMBIAR AL MUNDO?

 

La respuesta es fácil: SÍ. Pero…

La publicidad y el diseño han sido por muchos años criticados y etiquetados por su maña de manipular las masas para vender productos. ¿Pero será simplemente eso: vender? Nosotros creemos que no.

Ahora sabemos que el diseño es mucho más que eso; muchos definen el diseño como la habilidad de resolver problemas y necesidades de forma creativa, y estamos de acuerdo, pero va mucho más allá. El diseño debe ser trascendente e idealmente impactar de forma positiva en la vida de las personas.

El diseño es una oportunidad para cambiar el mundo, ya que el mundo como lo conocemos hoy, es y ha sido diseñado por el hombre. Pero ¿por qué seguimos diseñando como si no estuviéramos pensando en resolver los problemas actuales que hay? ¿Por qué se habla de que el diseño es el culpable #1 de la contaminación y la basura del mundo, y seguimos culpando a las grandes industrias y empresas cuando la realidad es que el diseño no se ocupa de sus propios deshechos? El término “basura” no existe en la naturaleza, lo hemos diseñado nosotros.

Seguramente en algún lugar de Europa…
Seguramente en algún lugar de Europa…

Para que cambie la mentalidad del consumidor, tiene que cambiar la mentalidad del diseñador y vamos hacer algo al respecto. Pero para cambiar, también tenemos que promover y enseñar a nuestros clientes a desarrollar proyectos que realmente aporten algo al mundo y no solamente cumplan con un brief; si realmente queremos influir e innovar hay que empujar ideas que hagan un cambio verdadero.

Pero tenemos un pequeño problema aquí. ¿Cómo hacer que los clientes entiendan esto? En BAMF estamos cocinando una teoría: En cada proyecto nuevo vamos a proponer diseños que sean sustentables (¿o es sostenibles?). En muchas ocasiones puede que el cliente no lo elija, pero así vamos a acostumbrarlos a ver este tipo de soluciones y eventualmente a que opten por estas propuestas.

Antes de empezar cualquier proyecto debemos preguntarnos:

  1. ¿Cuál es la vida útil del producto?
  2. ¿Cómo podemos ampliar la vida útil de ese producto o darle un segundo uso?
  3. ¿Realmente estamos resolviendo un problema con este diseño?
  4. ¿Cómo va a competir esta propuesta con lo que hay hoy en el mercado?

Innovar es hacer cosas diferentes y hacer las cosas de forma diferente. El mundo está cambiando, pero lamentablemente estamos en una situación en la que necesitamos acelerar este proceso. El tiempo es un lujo que ya no tenemos.

Así que manos a la obra. Hay muchas formas de hacer que un diseño sea sustentable y ahí es donde verdaderamente entra en juego la creatividad. No tenemos la receta exacta para cambiar el mundo, pero intentarlo en cada diseño es mejor que nada ¿no?

Los dejamos con:

  • Una frase de Bruce Mau, creador de Massive Change:
"LA" pregunta
«LA» frase

“No se trata del mundo del diseño, si no del diseño del mundo.”

¿PARA QUÉ CONTRATAR UN ESTUDIO SI PUEDES PONERLO IN-HOUSE?

El primer capítulo del libro Agency Mania explora las razones por las que un cliente contrataría una estudio creativo en lugar de poner el equipo internamente.

Como parte de la serie para explorar qué tipo de relación agencia-cliente es la que mayor valor le da a un proyecto creativo, nos leeremos los principales libros que encontramos en el tema. Empezamos con Agency Mania. El primer capítulo no dice mucho nuevo, pero sí nos hizo pensar un par de puntos que efectivamente agregarán valor al resultado creativo.

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Bruno propone que si bien internamente tienes más control, «ahorros» e involucramiento de la marca. Un equipo creativo interno corre el riesgo de quedar aplastado por la burocracia interna. No ser lo suficientemente flexible en talento a las cambiantes necesidades. Perder objetividad.

Gralpois propone también que un estudio provee amplio espectro de talento, objetividad, basta experiencia en dilemas de diseño y comunicación, pensamiento estratégico y adaptabilidad.

 

En nuestra experiencia, no hay una respuesta correcta para todos. Dependiendo las necesidades, de la empresa, del proyecto, será mejor tener un equipo dentro o fuera de la empresa. Creemos que el asunto medular va un paso atrás. Un paso antes de a quién pertenece el equipo creativo, el asunto es: cómo hacemos para que el talento creativo sea pieza activa en la planeación estratégica. Cómo despertamos interés de ambas partes por colaborar y construir juntas. 

ESTUDIO:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu cliente a las primeras sesiones de exploración creativa?

Cuándo llega un cliente nuevo, ¿qué estás haciendo para asegurar que entiendes el meollo de su problemática comercial? ¿el rol del entregable que te pide?

¿Qué estás haciendo para que conozca y entienda el proceso creativo? ¿Su injerencia en el mismo?

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CLIENTE:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu estudio a una sesión de planeación estratégica? ¿A una junta comercial?

Cuándo pides una propuesta económica, ¿cuándo fue la última vez que ANTES de pedir una propuesta para un entregable específico, te sentaste a platicar acerca de tu problema y escuchaste la recomendación acerca del entregable?

CREEMOS QUE EL PIMER PASO PARA UN PROYECTO CREATIVO CON LO MEJOR DE AMBAS PARTES ES DEJAR DE HABLAR DE ENTREGABLES, Y EMPEZAR A HABLAR DE PROBLEMAS.  LA EMPRESA NO NECESITA UN PINTOR, NECESITA UN PSICÓLOGO. TRAIGAN SUS PROBLEMAS Y JUNTOS, ESTUDIO Y CLIENTE, EXPLOREMOS LAS POSIBLES SOLUCIONES. 

 

 

Peppa Pig vs. Las Tortugas Ninja

Si fueras por la calle y te encontraras enfrente del Oxxo a Peppa Pig agarrándose del chongo con las tortugas ninja ¿a quién le apostarías? Obvio a Peppa (es la cerda más ruda de todas). Pero ¿si cambiamos el contexto?, si nuestra apuesta se basara en cual de ellos tiene mejor calidad de diseño y animación ¿por quién votarías? En gustos se rompen géneros y habrá quien diga que uno o el otro, pero lo que hoy ponemos sobre la mesa es que a pesar de su alto nivel de abstracción y forma sencilla, todos vemos en Peppa una cerdita, pero alguien podría decir qué es esto?

Tortuga? Ninja? Adolescente?
Tortuga? Ninja? Adolescente?

“Una tortuga mutante ninja adolescente, ¡obvio!” dirán, y sin poner en duda la calidad de render y postproducción que conllevó hacer a este personaje, desde nuestro punto de vista no refleja lo que debería.

El siguiente es un ejemplo de cómo puedes humanizar o replicar un ser vivo y no morir en el intento. Dos personajes, ambos basados en un majestuoso orangután borneo, que tuvieron una ejecución muy buena y no hay duda de que logran reflejar la esencia del original; tal vez tengan la misma calidad técnica que nuestra tortuga adolescente pero cada uno conservan a su manera los rasgos clave del modelo y además tienen su propia personalidad.

Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”
Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”

Por ahí se dice que dentro del amplísimo rango de la animación hay un pequeño obstáculo al que llamaremos “La Fosa” del cual muy pocos personajes animados han podido sobrevivir. La teoría consiste en que mientras más se acerque un personaje al “realismo”, más difícil será agradar al público ya que las expectativas de lo real son muy altas; lo real es lo real, y punto. Es por eso que es más fácil encontrar empatía por una pequeña cerda, que no quiere ni pretende ser realista, a creerte esa cara para una tortuga mutante.

Cómo vemos “La Fosa»

Los avances de la animación hoy en día han ayudado a alcanzar un nivel altísimo dónde los pequeños detalles son los que marcan toda la diferencia, y al ver una película, nuestro cerebro debe evaluar muchos factores para determinar qué tan real o no es algo, y además de la semejanza física, uno de esos factores –el más importante según nosotros– son las llamadas microexpresiones. Una microexpresión es algo que hacemos todos y cada uno de los días sin buscarlo, son esos pequeños y cortísimos movimientos que hacen nuestros músculos de manera involuntaria y que percibimos inconscientemente en los demás, de los que generalmente carecen los personajes y hacen que las animaciones tengan ese toque distante o ajeno que no nos permite sentirnos identificados con ellos del todo.

Este es un ejemplo de cómo se ve un parpadeo humano, ¿notan cómo ese pequeño músculo debajo del ojo se contrae y relaja al abrirse el ojo? Y ¿cómo se contrae ligeramente la pupila?, el siguiente ojo es el de Neytiri, la protagonista de la película de Avatar, y se puede ver cómo replica casi a la perfección el movimiento. Después tenemos a Mike Wazowski y su bello ojo de bebé y después esa forma que parece óvulo es el ojo de Peppa.

En fin, no hay bueno ni malo, todos tienen diferentes estilos y cada uno es bueno en lo suyo. Además a una buena trama no la mata nada, una película puede ser buenísima aunque al protagonista se le vaya el ojo chueco o no se le dilaten las pupilas.

Sin embargo, no está de más conocer esos pequeños detalles que nos ayuden a juzgar mejor la próxima película que veamos, y saber en qué fijarnos si es que dudamos si es un personaje real o pura computadora y que Peppa Pig siempre gana.

Para terminar les compartimos un video. ¿Cuál personaje es generado por computadora y cómo lo saben? (haciendo a un lado el hecho de que ya había fallecido cuando se hizo el comercial)

www.youtube.com/watch?v=gx9eDoS76LM

Al cliente (o lector) lo que pida…

Este post va dedicado a María Bi, que pidió nuestra opinión acerca del nuevo logotipo de La Comer.

Empecemos por decir que el logotipo anterior de Comercial Mexicana era un excelente ejemplo de un isotipo abstracto, bien ejecutado gráficamente, aunque un poco frío e industrial por los cortes tan geométricos (nuestra opinión, recuérdenlo). Diseñado en 1986 por Rafael Treviño cuando estaba en el despacho de Fernando Rión, la imagen anterior presenta líneas seguras y precisas. Con una tipografía anclada en la época en que fue diseñado, que al menos no es Helvetica, falla un poco en el interletrado.

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La nueva propuesta hace tres cosas bien: utiliza el nombre que todos de damos a Comercial Mexicana (La Comer), mantiene al pelícano como ícono central de la identidad y conserva los colores institucionales (aunque los hace un poco más frescos). El tema del nombre es algo complejo, porque al parecer, es un tema legal en el que una marca (Soriana?) compró varias tiendas y el nombre; y las restantes no pueden usarlo en lo que se reparten los bienes. En fin, creemos que fue un acierto usar La Comer. El pelícano se ha asociado con este supermercado ya por varios años y algo completamente nuevo no necesariamente hubiera sido malo, pero nos complace ver que la historia y el legado de la marca se decidieron mantener – al menos por ahora.

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Al mismo tiempo, la nueva propuesta hace tres cosas mal: presenta Impact como la tipografía, acomoda extrañamente “la” en la composición del nombre y cambia el envolvente del pelícano. Impact. En serio?? Ahora nos arrepentimos del comentario de Helvetica. Habiendo tantas tipografías allá afuera y tanto talento nacional (o internacional, si prefieren) para el desarrollo de una fuente propia, Impact fue la elección?? No tenemos idea de quién haya tomado esa decisión y esperamos que pronto salga a la luz la tipografía oficial y que este sea un uso temporal. *cruzamos los dedos* El acomodo del nombre parece ser una forma de separar “la” de “Comer”, pero hay muchas otras opciones más afortunadas gráficamente (LaComer, por ejemplo). Y el envolvente creemos que es igual de icónico que el pelícano; parece que el razonamiento fue: “si ya vamos a rediseñarlo, de una vez rehagamos todo”. Tal vez nos hubiera gustado que el envolvente fuera un sol, posicionando al pelícano en su hábitat natural; pero aún así, el original tenía mucha presencia (aunque fuera menos amigable). La “evolución”del pelícano no es mala, ya que lo hace más amigable, más realista (un poco) y se enfoca en la cabeza, que al final es la parte más distintiva del pelícano. Aunque nos duele no ver más el pelícano ejecutado con esa excelencia gráfica, sabemos que la nueva propuesta tiene lo suyo.

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En BAMF tenemos una dinámica en la que cada diseñador (o porgramador, o community manager, o quien se anime…) tiene que diseñar una playera cada X tiempo. Les dejamos una de las propuestas de hoy a manera de despedida.

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Todos tenemos un yo creativo

Siguiendo en las líneas de apostarle a nuestro yo creativo, nos gustaría contar la historia de Doug Dietz. Un hombre que sin considerarse creativo, sino ‘simplemente’ un diseñador de maquinas de resonancia magnética, transformó un capitulo de la medicina gracias al diseño.

Así se ve una máquina de IRM:

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Impresionante, ¿no? Cero amigable, muy grande y pesada.

Ahora imagina tener que meterte y quedarte muy quieto. Ahora imagina que tienes 6 años.

Cuando Dietz vio que los niños lloraban de terror ante el prospecto de entrar en la máquina y supo que tenían que sedar al 80% de los pacientes para que permanecieran quietos, supo que tenía que hacer algo. Se avergonzó de haber diseñado algo que, si bien salva vidas, también agrega sufrimiento a niños enfermos.

Doug no se consideraba creativo, pero se le atravesó un curso de ‘design thinking’ que tomó y aplicó. 

¿El resultado? Rediseñó la experiencia. Convirtió una entrada a la maquina, en una aventura: Redecoró el espacio, el equipo y entrenaron a los técnicos en manejo de niños.

Aquí la máquina:

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Hoy en día, solamente sedan al 10% de los niños. Incluso algunos «piden regresar a jugar al día siguiente».

¿Qué me queda de esta historia? Nada está diseñado, nada está terminado. No debemos conformarnos con el status quo. Todos, creativos oficiales o negados, tenemos el poder de transformar con nuestro pensamiento, el mundo que nos rodea. El diseño es más poderoso de lo que creemos, y es necesario en rincones que nunca se nos hubieran ocurrido.

Éste señor es Doug Dietz:

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Aquí el video de su plática de Tedx: