La importancia de no trabajar

Hace algunas semanas, uno de los integrantes del equipo de [BAMF] ganó un premio: un vuelo redondo a Lisboa, Portugal. Todo esto surgió por una campaña de KLM en donde buscan cumplir los sueños de alguien (no es el único, pero sí el primero. Pueden ver la campaña, la historia, y nominar a alguien si quieren cumplirle su sueño, en www.klmsueños.com); él va a ver ballenas. Pero sabemos que más allá de eso — que seguramente será un experiencia única — el hecho de ir a Portugal y estar unos días en otro país, tendrá más efecto en él que cumplir su sueño.

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Viajar nos abre los ojos a diferentes maneras de ver y hacer las cosas, a conocer gente muy diferente a nosotros, a conocer lugares muy diferentes a México, a oír otroa lenguajes; a ponernos incómodos. Para algunos de nosotros viajar es una de las razones principales por las que trabajamos tanto (a veces demasiado) y la recompensa más grande que podemos pensar, es ir a conocer un lugar nuevo. Por esto, en BAMF siempre promovemos que nuestro equipo use todos sus días de vacaciones y los use para ir a lugares nuevos (aunque sean dentro de la caótica, pero infinita, Ciudad de México). Creemos que esto nos dota de herramientas para ser mejores creativos y mejores diseñadores. Ir a un museo, usar el transporte público, tomarse una cerveza que no se vende en México en un parque, entrar a una galería sin saber qué hay adentro, hablar con un desconocido en un bar, subirse a un tren, ir a un mercado, entrar al súper, caminar por la calle en la madrugada sin sentirse inseguro, ver un rato la televisión, dormir en un hotel, caminar junto a un río, comer un helado, comprar comida de la calle, entrar a una papelería, visitar una catedral o iglesia, nadar en otro mar, ver un partido de fútbol, probar comida típica y un eterno “etcétera”. Todo esto es diferente en otro país. Y todo esto nos ayuda aumentar lo que conocemos o creemos acerca del diseño (al menos para nosotros, los diseñadores).

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Sabemos que Jaime disfrutará enormemente cumplir su sueño, pero estamos seguros que lo que será un parteaguas en su vida como diseñador, será en viaje completo y no solo ver sus ballenas.

Buen viaje James! Y tráenos fotos.

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*fotos robadas descaradamente del Interwebs

Cuando algo no debería de funcionar, pero funciona

Hace algunos días nos topamos con una botella de vino que nos llamó mucho la atención. Una gráfica sólida y segura de sí misma, con pocos elementos, pero cada uno con una voz muy personal y definida y colores muy atrevidos en conjunto. La etiqueta del vino “EL NIÑO”, de Campillo tiene los elementos indicados para saltar a la vista y atraer al consumidor; en nuestro libro, una gran victoria en el anaquel.

Botella
Una botella atractiva que brinca del estante.

El problema (¿será problema?) es que inspeccionando de cerca la etiqueta, rompe con casi todas las reglas del diseño. Reglas que por muchos años han definido el “buen” diseño. Reglas en las cuales nos hemos apoyado para hacer lo que hacemos. Reglas que nos dan seguridad en que nuestro trabajo está bien hecho. Reglas que desde la universidad, han recibido un lugar especial como herramientas indispensables de los diseñadores para diseñar.

La tipografía de la etiqueta, en un color rojo brillante, se olvida de la compensación en las curvas de la “O”, que según cualquier tipógrafo que se respete, debe cruzar la línea base para verse del mismo tamaño que las letras rectas. Con la “N” pasa lo mismo: las terminaciones agudas en el asta diagonal ignoran el peso visual y se rigen más por la matemática (o sea, llegan al mismo lugar, aunque deberían ser más largas para que se vean del mismo tamaño).

Detalle de la linea base.
¿Quién demonios diseñó esto?

Otras letras también deciden ignorar a los cánones del buen diseño y no conservan los rasgos que las deberían unificar para que pertenezcan todas a una misma fuente. Las terminaciones y trazos de la “i” y “N” parecen sugerir que las letras fueron trazadas de manera independiente, y por manos distintas. Otro caso es el punto de la “i” que tampoco compensa y es del mismo tamaño (la misma medida) que el fuste (debería ser más grande). Y por si no fueran suficientes insultos, la primera “N” tiene un inicio en ángulo en la parte inferior, mientras la “Ñ” lo tiene horizontal. Y ni nos pregunten por la “i” minúscula que se coló a la fiesta.

Consistentemente inconsistente
¿Habrá sido diseñado por partes, en estudios diferentes?

Con todo esto, al final el diseño funciona muy bien. Puede ser uno de esos casos en donde hay que conocer las reglas para poder romperlas y hacer que el diseño funcione, pero nos ha causado un leve dolor de cabeza desde hace varios días. Todo lo que sabemos de diseño nos dice que está mal diseñada, pero nos encanta.

Ah, y el vino está bastante bueno. Aunque de eso no sabemos mucho…

¿Qué es una marca?

“it’s not what you say it is, it’s what they say it is.”
-Marty Neumeier (The brand gap)

Escuchar personas que confunden palabras algo tan común todos los días, parece insignificante y un poco divertido, pero deja de serlo cuando confunden terminos y afectan de forma profesional y económica. Tal situación sucede con: Logotipo, marca e identidad.

Existen personas que confunden estos términos, e inclusive lucran con este asunto, mercadologos que dicen hacer branding, cuando en realidad solo inventan un nombre, una personalidad de marca y una estrategia de posicionamiento; diseñadores que dicen hacer marca cuando en realidad solo hacen un logotipo, una identidad corporativa, administradores que solo hacen un plan de negocios y crean un valor de marca.

Mitos
Para continuar con este asunto vamos a aclarar un par de asuntos, una marca no solo es un logotipo, ni mucho menos una identidad.

Un logotipo y una identidad no son una marca.

Qué es una marca?
Una marca es un grupo de características que definen el aspecto visual, emocional, físico y operativo de una idea o negocio.

En palabras de Antonio Serrano, uno de nuestros directores creativos y fundadores: “Una marca es un producto o servicio con una personalidad clara y definida; con valores humanos, con historias, con símbolos, con emociones”.

Para comprender un poco más acerca de lo que implica una marca tenemos el siguiente gráfico del libro: designing brand identity de Alina Wheeler.

 

Una marca es

Una vez definido lo que es una marca, es necesario explicar lo siguiente:

Logotipo: Es el termino más entendible para todo el público, sin embargo existe una gran diferencia entre imagotipo, isotipo y logotipo; Miguel Basurto nos explica cada uno.

Logotipo: Es el termino utilizado cuando se usa únicamente tipografía para identificar a una empresa, marca o institución.

Logotipos

Imagotipo: Combinación entre tipografía y un icono, dicha composición puede tener variantes utilizando cada elemento por separado.

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Isotipo e Isologo: Se denomina asi al icono, es la parte simbólica de una marca.

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Identidad: Es el conjunto de materiales creados a partir del logotipo, esta serie de elementos se personaliza acorde al medio o sustrato que se requiera, la cantidad de aplicaciones puede variar dependiendo el giro del negocio. Para tener una identidad es necesario contar con un logotipo, con los colores definidos, así como su tipografía y los usos correctos e incorrectos que se le darán. Teniendo lo mencionado anteriormente se puede pasar a desarrollar lo siguiente:

Papelería – Hoja membretada, tarjetas de presentación, sobre, etc.
Editoriales: Cartel, folleto, manual, carta, tríptico, etc.
Empaque: Individual, paquete, mostrador, etc.
Uniforme: Vestimenta del equipo de trabajo.
Señalética: Interior y exterior.
Mensaje: Tono de voz, formas de expresión, etc.
Digital: Animaciones, audio, video, etc.

En palabras de Carlos Losan: La identidad gráfica es la carta de presentación de la empresa, es la que nos representa como empresa y trámite nuestros valores, virtudes, historia etc. Nos da forma física por así decirlo, y representa también el giro, de lo que somos y ofrecemos.

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Entender el significado de cada termino hará una diferencia enorme, por ahí dicen que: “no es lo mismo que lo mesmo”

 

TU CÁMARA TOMA MUY BUENAS FOTOS

¿A quién no le han dicho “¿Qué modelo es tu cámara?, toma fotos muy padres”?

Esa y muchas otras frases son de lo más común actualmente, pero para los que sabemos un poco sobre fotografía puede ser un verdadero dolor de muelas.

Es cierto que con el avance de la tecnología, tomar una foto hoy en día es tan sencillo como tocar la pantalla de tu celular de última generación con cámara de hasta 20 Megapixeles para luego aplicarle un sin fin de filtros en alguna App para compartirla en redes sociales con tus conocidos, pero al final no dejan de ser solo efectos superficiales que no pueden sobrepasar el hecho de capturar el momento perfecto con una buena composición y una iluminación perfecta. Y la verdad es que los resultados pueden ser fascinantes.

Pero para mi, hacer una fotografía va más allá de tocar un botón, se trata de capturar el momento perfecto y poder contar una historia en una imagen. Vivimos en un mundo donde las imágenes son parte de nuestra vida y dar un extra o tomarte un poco de tiempo para pensar la foto puede ser la diferencia entre un “que buena foto tomó la cámara” o un “que foto tan padre hiciste”.

Grandes maestros de la fotografía como Richard Avedon y Diane Arbus son de esos fotógrafos, que a mi parecer, logran transmitir una historia y captan la verdadera esencia de las personas a través de sus retratos.

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O fotógrafos contemporáneos como Dean West, Anze Østerman y Rankin que son de esos fotógrafos con los que te das cuenta que la magia de la fotografía no está en la cámara, si no en el ojo que hay detrás.

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Desde hace un tiempo que la fotografía ha dejado de ser un tema exclusivo para profesionales, hoy, es un hecho, que prácticamente cualquier persona con acceso a la tecnología tiene el poder de hacerse ver a través de sus imágenes. Hacernos visibles es sinónimo de existir.

La acelerada transformación de la fotografía ha abierto muchas posibilidades a crear fotos grandiosas y de ver el mundo de una forma diferente, está en nuestras manos mantener una visión crítica y crear las mejores fotografías que cualquier cámara pueda tomar.

 

*Fotografías tomadas de las páginas de los fotógrafos. 

ARTE, HIPSTERS Y CRUSTÁCEOS

Los humanos son naturaleza, son parte y resultado de la evolución. Nuestros actos y nuestros pensamientos son producto de esa evolución. En consecuencia, cuando los humanos llegan a conocer algo, se revela su propia naturaleza.

 Ernst Haeckel. Naturalista, ilustrador y filósofo alemán (s. XIX – XX)

https://www.youtube.com/watch?v=szhJzX0UgDM

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Algo pasa con las langostas. Algo tiene su fisionomía, su vivo color, sus intrincadas mecánicas motoras, su comportamiento “social”. Algo tiene ese cascaroso crustáceo que parece despertar la curiosidad y creatividad de artistas, diseñadores y demás bichos del abanico estético-creativo. ¿Qué será?

Uno de los caminos a tomar, para no ahogarnos en pesados laberintos zoo-filosóficos –al menos en primera instancia y a modo de estrategia comunicativa-, sería simplemente dejar planteada la pregunta. (Diremos que las preguntas nos dejan pensando y pensar siempre es bueno.)

Quizás también podríamos ampliar un poco más y ahondar en las posibles motivaciones emocionales, estéticas, inconscientes que parece generar este crustáceo.

O incluso podemos utilizar todo esto como excusa y merodear -como tiburones- alrededor de algunos productos creativos (cinematográficos, tipográficos, pictóricos, etc.) vinculados de una u otra forma a esta curiosa manía marina.

Dalí, el fetichista

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Una de las obsesiones de Salvador Dalí. El artista vinculaba las langostas con lo afrodosíaco, lo sexual y con el miedo: “la historia de este terror continúa siendo para mí uno de los grandes enigmas de mi vida”.

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Una de las obras más emblemáticas es su Teléfono langosta (1936), o “Teléfono afrodisíaco” como solía llamarle. Este objeto surrealista fue un encargo del acaudalado poeta y coleccionista inglés Edward James, quien pidió al artista que convirtiera su casa en un palacio de excentricidades.

Fanático del buen comer, Dalí gustaba de incluir alimentos en sus creaciones pictóricas o performáticas, que combinados con objetos cotidianos como teléfonos o relojes, resultaban en provocaciones alucinógenas y oníricas.

La langosta como animal metafórico (al igual que las hormigas, los leones, y los alimentos tales como el pan, los huevos, la carne) es retratado en varias de sus obras, quizás, como forma de sublimar ese terror inconsciente e inexplicable al que hacía alusión.

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Tal es el caso de la langosta cubriendo genitales femeninos (en un claro sentido sexual), sobre la cabeza de su mujer Gala, o ilustrando el cartel de un ciclo de conferencias surrealistas (1935).

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El crustáceo, ya convertido en símbolo, es retomado por la diseñadora de modas italiana Elsa Schiaparelli, quien junto con Dalí, crea en 1937 el Vestido con langosta.

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The Lobster font, ¿otra víctima del comicsansismo?

 En 2010, el diseñador argentino Pablo Impallari (Libre Franklin, Libre Bodoni, Encode Sans, entre otras) crea esta cuidada tipografía, de claro corte vintage. Tras el ofrecimiento de formar parte del catálogo de Google Fonts, la Lobster se convirtió en una de las más utilizadas en diseños de todo tipo, clase y color (vintage o no).

Un año más tarde, en 2011, lanza una segunda versión: “Lobster Two es la versión actualizada y mejorada de la familia The Lobster Font, que ofrece un peso más liviano y dos nuevas variantes verticales.” (impallari.com)A partir del uso desmedido e indiscriminado de esta familia, algunos se han animado a comparar el fenómeno al de la tipografía más odiada del planeta (sí, la Comic Sans. Vincent Connare, 1994). Las Lobster han llegado incluso a ganarse un lugar en las listas de las tipografías que ya no debemos usar.

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Comenta Impallari acerca de su creación: “Es gratificante encontrarla por la calle, o en las revistas o la televisión. A veces los diseñadores la utilizan con mucho acierto y otras veces no tanto, pero eso está fuera de mi alcance.”

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Todo elemento comunicativo –y no mera decoración- tiene su objetivo y su personalidad. Al convertirse en moda y repetirse hasta el hartazgo, su función se diluye al punto de desaparecer. Como una diva en decadencia, anhelando su pasado de gloria.

Sólo el tiempo, o la condición cíclica de la moda, dirán si se merece una segunda oportunidad.

Pero… ¿por qué su nombre crustáceo? Habrá que preguntarle al creador: impallari@gmail.com

The Lobster (película), surrealismo crítico

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En 2015, el director de cine griego Yorgos Lanthimos presenta su última película, titulada The Lobster. En ella, se presenta un mundo distópico en el que los solteros son llevados a un hotel-cárcel, donde deberán encontrar al amor de su vida en 45 días. Si no lo hacen, al cabo de ese plazo, serán convertidos en un animal a su elección. El protagonista lo tiene decidido y lo explica en estas líneas:

Manager del hotel: ¿Ha pensado qué animal querría ser de terminar solo?

David: Sí. Una langosta.

Manager del hotel: ¿Por qué una langosta?

David: Porque las langostas viven más de cien años, tienen sangre azul como los aristócratas y son fértiles durante toda su vida.

Y claro, de ahí el título de la película. Una vez más, este animal está vinculado al surrealismo, ya que todo gira en torno a una metáfora –ver parodia- crítica de los vínculos amorosos y a la exaltación exagerada de la pareja como base de la felicidad. La lógica interna del film se construye a partir y a través de una estética vintage pero en un mundo aparentemente futuro, lo que genera un extrañamiento a la vez que revela una cruda realidad.

La langosta como hipster icon

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Flamingos, cebras, zorros, tigres, lobos, osos, ciervos… langostas.

Todos estos animales parecen estar de moda. Se han convertido en iconos, han aterrizado y plagado las redes sociales, la moda; se han vuelto cool.

 https://www.pinterest.com/dtatt/my-lobster-obsession/

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Comenzábamos este post destacando algo que no siempre recordamos: los humanos también somos animales. Sí, qué obviedad.

Y quizás esta repentina -aunque no inocente- necesidad de volver a la naturaleza, a lo primitivo, a lo animal, no sea más que un mensaje de esta era.

Quizás los humanos nos hemos saturado y estamos necesitando un regreso al origen. No en vano la moda de lo orgánico, de la medicina natural, de la defensa de los “derechos” de los animales, de lo eco-sustentable, etc.

Si pensamos hacia atrás, los artistas románticos del siglo XIX –por ejemplo- ya planteaban esta necesidad de evadirse, de romper los límites y entregarse a las pasiones, al deseo de libertad irrefrenable, etc. ¿No nos parecemos, acaso, bastante a eso?

Como decíamos, la moda es cíclica (porque la naturaleza y el ser humano lo son) y no será ni la primera ni la última vez que vivamos un período de estas características.

Habrá que seguirle la corriente a las langostas y ver dónde nos llevan.

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Más:

http://www.impallari.com/lobster

About Us

Salvemos la Fuente Lobster

http://increnta.com/es/blog/es-la-lobster-la-nueva-comic-sans/

http://www.letteringtime.org/2014/04/entrevista-pablo-impallari.html

403 Access denied “Error Nightmare”

 

¿Alguna vez te has enfrentado a un error o a algún problema en el que intentas todas las posibles soluciones o divergentes para poder solucionar el problema, pero no importa todo lo que hagas nada funciona? Bueno este fue mi caso, El error “403 Forbidden” puede ser un verdadero dolor de cabeza y más si eres principiante en WordPress. A continuación, les presento las posibles causas y después les presento las posibles soluciones, ya que cómo mencione anteriormente este problema tiene varias divergentes, por lo que hay que entender “que” lo esta generando.

El código del error “403 Forbidden” se muestra cuando los permisos no permiten el acceso a una página en especifico o archivo en especifico.

Por lo que hay diferentes lugares en dónde se puede presentar el error, en el caso de WordPress los lugares pueden ser los siguientes:

  • Durante al acceso de página exclusivas del administrador del sitio.
  • Durante la instalación de WordPress.
  • Cuando se visita una página en el sitio de WordPress.
  • También, cuando tu usuario se le ha denegado ciertos accesos.

Ya que explicamos en que consiste el error y los posibles lugares dónde se puede presentar este error, vamos a comentar que puede causar este problema. Para poder prevenir este problema en el futuro, es indispensable contar con plugins que ofrezcan seguridad al blog, en mi caso les recomiendo Sucuri, ya que ofrece protección contra Malware, virus, además de presentar una bitácora de quien tiene acceso al sitio.

Otra posible causa puede ser que el archivo .htaccess este corrupto o este presentando denegación de acceso a cierto usuarios o direcciones IP’s. Para poder acceder a este archivo y realizar alguna modificación tiene que usar algún programa que pueda usar una cuenta FTP, tal como FileZilla.

La siguiente posibilidad puede la asignación incorrecta en los permisos en archivos y carpetas dentro del servidor, de igual forma puedes modificar estos permisos usando FileZilla, (recuerda que las carpetas deben tener permisos con 755 y 644 en archivos).

La siguiente causa puede ser que la compañía que te este ofreciendo el hosting de tu sitio hay modificado o actualizado algunos permisos por cuestiones de seguridad, en este caso te tienes que comunicar con tu proveedor de hosting y explicar con todo detalle el problema para que puedan resolver el problema.

Si necesitas crear un nuevo archivo .htaccess, puedes crearlo en ajustes -> enlaces permanentes, debes especificar el tipo de ajuste y guardas los cambios.

A continuación, te muestro una serie de ligas que te pueden ayudar a resolver el problema:

  1. Si el problema se presenta al momento de compartir algún post usando la red social de Facebook, con el siguiente enlace podrás revisar las causas y verificar si se sigue presentando: Depurador de Facebook.
  2. Script de JavaScript en Facebook que inserta los permisos de acceso y lectura: FB Script.
  3. Modificación de un registro que puede ser activado al momento de en que se publica un nuevo post.

Espero que con estas ligas puedan encontrar la causa, si ocupan ayuda no olviden comentar y compartir su solución.

Saludos.

No 4. Serie: Relación Cliente-Despacho. “Las buenas cotizaciones se dan con una taza de café.”

Esta semana tuvimos la oportunidad de aplicar el punto del que publicamos en el artículo Creativos in-house VS Estudio Creativo con la llamada de un prospecto que nos pedía una cotización urgente para una página de internet.

La llamada empezó algo así:

prospecto:  

Me urge saber cuánto cobran por hacer una página de internet para una empresa que vende un producto altamente especializado.

La gran tentación radica en responder (y seguido caemos) con preguntas cómo:

¿Hay que crear el contenido, o ya existe?

¿Qué tipo de fotografía o video necesitan?

¿Para cuándo la necesitan?

Y demás preguntas que se clavan en la ejecución. Preguntas que pretenden taclear el la forma y no el fondo. El cómo y no el para qué.  En lugar de eso respondimos con la siguiente serie de preguntas:

¿Qué los hace querer rediseñar su página? 

¿Qué expectativas pretenden cumplir con la nueva página?

¿Quién y para qué va a usar la nueva página?

Lo cuál nos llevó (al cliente y a nosotros) a clarificar que ciertamente necesitan una página de internet, pero: a) cuyo enfoque sería más bien interno que externo y b) Que el presupuesto fuerte hace más sentido en una estrategia de ventas súper targeteada en la que la página no tendrá mucha ingerencia, pero la base de datos y la estrategia de acercamiento sí.

LO QUE EMPEZÓ COMO UNA RELACIÓN DE PROVEEDOR-PROSPECTO, SE CONVIRTIÓ EN UNA SUERTE DE PENSAMIENTO EN VOZ ALTA DE NUESTRO PROSPECTO (AHORA CLIENTE) PARA CLARIFICAR LA MEJOR ESTRATEGIA DE COMUNICACIÓN PARA RESOLVER EL PROBLEMA (OBJETIVO) EN CUESTIÓN. 

La siguiente ves que un cliente les pida una cotización, lleven esa conversación como si fuera un brief. Entiendan el problema a resolver, reboten posibles soluciones y ENTONCES y sólo hasta ENTONCES preparen una cotización.

 

¿EL DISEÑO PUEDE CAMBIAR AL MUNDO?

 

La respuesta es fácil: SÍ. Pero…

La publicidad y el diseño han sido por muchos años criticados y etiquetados por su maña de manipular las masas para vender productos. ¿Pero será simplemente eso: vender? Nosotros creemos que no.

Ahora sabemos que el diseño es mucho más que eso; muchos definen el diseño como la habilidad de resolver problemas y necesidades de forma creativa, y estamos de acuerdo, pero va mucho más allá. El diseño debe ser trascendente e idealmente impactar de forma positiva en la vida de las personas.

El diseño es una oportunidad para cambiar el mundo, ya que el mundo como lo conocemos hoy, es y ha sido diseñado por el hombre. Pero ¿por qué seguimos diseñando como si no estuviéramos pensando en resolver los problemas actuales que hay? ¿Por qué se habla de que el diseño es el culpable #1 de la contaminación y la basura del mundo, y seguimos culpando a las grandes industrias y empresas cuando la realidad es que el diseño no se ocupa de sus propios deshechos? El término “basura” no existe en la naturaleza, lo hemos diseñado nosotros.

Seguramente en algún lugar de Europa…
Seguramente en algún lugar de Europa…

Para que cambie la mentalidad del consumidor, tiene que cambiar la mentalidad del diseñador y vamos hacer algo al respecto. Pero para cambiar, también tenemos que promover y enseñar a nuestros clientes a desarrollar proyectos que realmente aporten algo al mundo y no solamente cumplan con un brief; si realmente queremos influir e innovar hay que empujar ideas que hagan un cambio verdadero.

Pero tenemos un pequeño problema aquí. ¿Cómo hacer que los clientes entiendan esto? En BAMF estamos cocinando una teoría: En cada proyecto nuevo vamos a proponer diseños que sean sustentables (¿o es sostenibles?). En muchas ocasiones puede que el cliente no lo elija, pero así vamos a acostumbrarlos a ver este tipo de soluciones y eventualmente a que opten por estas propuestas.

Antes de empezar cualquier proyecto debemos preguntarnos:

  1. ¿Cuál es la vida útil del producto?
  2. ¿Cómo podemos ampliar la vida útil de ese producto o darle un segundo uso?
  3. ¿Realmente estamos resolviendo un problema con este diseño?
  4. ¿Cómo va a competir esta propuesta con lo que hay hoy en el mercado?

Innovar es hacer cosas diferentes y hacer las cosas de forma diferente. El mundo está cambiando, pero lamentablemente estamos en una situación en la que necesitamos acelerar este proceso. El tiempo es un lujo que ya no tenemos.

Así que manos a la obra. Hay muchas formas de hacer que un diseño sea sustentable y ahí es donde verdaderamente entra en juego la creatividad. No tenemos la receta exacta para cambiar el mundo, pero intentarlo en cada diseño es mejor que nada ¿no?

Los dejamos con:

  • Una frase de Bruce Mau, creador de Massive Change:
"LA" pregunta
“LA” frase

“No se trata del mundo del diseño, si no del diseño del mundo.”

¿PARA QUÉ CONTRATAR UN ESTUDIO SI PUEDES PONERLO IN-HOUSE?

El primer capítulo del libro Agency Mania explora las razones por las que un cliente contrataría una estudio creativo en lugar de poner el equipo internamente.

Como parte de la serie para explorar qué tipo de relación agencia-cliente es la que mayor valor le da a un proyecto creativo, nos leeremos los principales libros que encontramos en el tema. Empezamos con Agency Mania. El primer capítulo no dice mucho nuevo, pero sí nos hizo pensar un par de puntos que efectivamente agregarán valor al resultado creativo.

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Bruno propone que si bien internamente tienes más control, “ahorros” e involucramiento de la marca. Un equipo creativo interno corre el riesgo de quedar aplastado por la burocracia interna. No ser lo suficientemente flexible en talento a las cambiantes necesidades. Perder objetividad.

Gralpois propone también que un estudio provee amplio espectro de talento, objetividad, basta experiencia en dilemas de diseño y comunicación, pensamiento estratégico y adaptabilidad.

 

En nuestra experiencia, no hay una respuesta correcta para todos. Dependiendo las necesidades, de la empresa, del proyecto, será mejor tener un equipo dentro o fuera de la empresa. Creemos que el asunto medular va un paso atrás. Un paso antes de a quién pertenece el equipo creativo, el asunto es: cómo hacemos para que el talento creativo sea pieza activa en la planeación estratégica. Cómo despertamos interés de ambas partes por colaborar y construir juntas. 

ESTUDIO:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu cliente a las primeras sesiones de exploración creativa?

Cuándo llega un cliente nuevo, ¿qué estás haciendo para asegurar que entiendes el meollo de su problemática comercial? ¿el rol del entregable que te pide?

¿Qué estás haciendo para que conozca y entienda el proceso creativo? ¿Su injerencia en el mismo?

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CLIENTE:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu estudio a una sesión de planeación estratégica? ¿A una junta comercial?

Cuándo pides una propuesta económica, ¿cuándo fue la última vez que ANTES de pedir una propuesta para un entregable específico, te sentaste a platicar acerca de tu problema y escuchaste la recomendación acerca del entregable?

CREEMOS QUE EL PIMER PASO PARA UN PROYECTO CREATIVO CON LO MEJOR DE AMBAS PARTES ES DEJAR DE HABLAR DE ENTREGABLES, Y EMPEZAR A HABLAR DE PROBLEMAS.  LA EMPRESA NO NECESITA UN PINTOR, NECESITA UN PSICÓLOGO. TRAIGAN SUS PROBLEMAS Y JUNTOS, ESTUDIO Y CLIENTE, EXPLOREMOS LAS POSIBLES SOLUCIONES. 

 

 

Peppa Pig vs. Las Tortugas Ninja

Si fueras por la calle y te encontraras enfrente del Oxxo a Peppa Pig agarrándose del chongo con las tortugas ninja ¿a quién le apostarías? Obvio a Peppa (es la cerda más ruda de todas). Pero ¿si cambiamos el contexto?, si nuestra apuesta se basara en cual de ellos tiene mejor calidad de diseño y animación ¿por quién votarías? En gustos se rompen géneros y habrá quien diga que uno o el otro, pero lo que hoy ponemos sobre la mesa es que a pesar de su alto nivel de abstracción y forma sencilla, todos vemos en Peppa una cerdita, pero alguien podría decir qué es esto?

Tortuga? Ninja? Adolescente?
Tortuga? Ninja? Adolescente?

“Una tortuga mutante ninja adolescente, ¡obvio!” dirán, y sin poner en duda la calidad de render y postproducción que conllevó hacer a este personaje, desde nuestro punto de vista no refleja lo que debería.

El siguiente es un ejemplo de cómo puedes humanizar o replicar un ser vivo y no morir en el intento. Dos personajes, ambos basados en un majestuoso orangután borneo, que tuvieron una ejecución muy buena y no hay duda de que logran reflejar la esencia del original; tal vez tengan la misma calidad técnica que nuestra tortuga adolescente pero cada uno conservan a su manera los rasgos clave del modelo y además tienen su propia personalidad.

Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”
Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”

Por ahí se dice que dentro del amplísimo rango de la animación hay un pequeño obstáculo al que llamaremos “La Fosa” del cual muy pocos personajes animados han podido sobrevivir. La teoría consiste en que mientras más se acerque un personaje al “realismo”, más difícil será agradar al público ya que las expectativas de lo real son muy altas; lo real es lo real, y punto. Es por eso que es más fácil encontrar empatía por una pequeña cerda, que no quiere ni pretende ser realista, a creerte esa cara para una tortuga mutante.

Cómo vemos “La Fosa”

Los avances de la animación hoy en día han ayudado a alcanzar un nivel altísimo dónde los pequeños detalles son los que marcan toda la diferencia, y al ver una película, nuestro cerebro debe evaluar muchos factores para determinar qué tan real o no es algo, y además de la semejanza física, uno de esos factores –el más importante según nosotros– son las llamadas microexpresiones. Una microexpresión es algo que hacemos todos y cada uno de los días sin buscarlo, son esos pequeños y cortísimos movimientos que hacen nuestros músculos de manera involuntaria y que percibimos inconscientemente en los demás, de los que generalmente carecen los personajes y hacen que las animaciones tengan ese toque distante o ajeno que no nos permite sentirnos identificados con ellos del todo.

Este es un ejemplo de cómo se ve un parpadeo humano, ¿notan cómo ese pequeño músculo debajo del ojo se contrae y relaja al abrirse el ojo? Y ¿cómo se contrae ligeramente la pupila?, el siguiente ojo es el de Neytiri, la protagonista de la película de Avatar, y se puede ver cómo replica casi a la perfección el movimiento. Después tenemos a Mike Wazowski y su bello ojo de bebé y después esa forma que parece óvulo es el ojo de Peppa.

En fin, no hay bueno ni malo, todos tienen diferentes estilos y cada uno es bueno en lo suyo. Además a una buena trama no la mata nada, una película puede ser buenísima aunque al protagonista se le vaya el ojo chueco o no se le dilaten las pupilas.

Sin embargo, no está de más conocer esos pequeños detalles que nos ayuden a juzgar mejor la próxima película que veamos, y saber en qué fijarnos si es que dudamos si es un personaje real o pura computadora y que Peppa Pig siempre gana.

Para terminar les compartimos un video. ¿Cuál personaje es generado por computadora y cómo lo saben? (haciendo a un lado el hecho de que ya había fallecido cuando se hizo el comercial)

www.youtube.com/watch?v=gx9eDoS76LM