403 Access denied «Error Nightmare»

 

¿Alguna vez te has enfrentado a un error o a algún problema en el que intentas todas las posibles soluciones o divergentes para poder solucionar el problema, pero no importa todo lo que hagas nada funciona? Bueno este fue mi caso, El error «403 Forbidden» puede ser un verdadero dolor de cabeza y más si eres principiante en WordPress. A continuación, les presento las posibles causas y después les presento las posibles soluciones, ya que cómo mencione anteriormente este problema tiene varias divergentes, por lo que hay que entender «que» lo esta generando.

El código del error «403 Forbidden» se muestra cuando los permisos no permiten el acceso a una página en especifico o archivo en especifico.

Por lo que hay diferentes lugares en dónde se puede presentar el error, en el caso de WordPress los lugares pueden ser los siguientes:

  • Durante al acceso de página exclusivas del administrador del sitio.
  • Durante la instalación de WordPress.
  • Cuando se visita una página en el sitio de WordPress.
  • También, cuando tu usuario se le ha denegado ciertos accesos.

Ya que explicamos en que consiste el error y los posibles lugares dónde se puede presentar este error, vamos a comentar que puede causar este problema. Para poder prevenir este problema en el futuro, es indispensable contar con plugins que ofrezcan seguridad al blog, en mi caso les recomiendo Sucuri, ya que ofrece protección contra Malware, virus, además de presentar una bitácora de quien tiene acceso al sitio.

Otra posible causa puede ser que el archivo .htaccess este corrupto o este presentando denegación de acceso a cierto usuarios o direcciones IP’s. Para poder acceder a este archivo y realizar alguna modificación tiene que usar algún programa que pueda usar una cuenta FTP, tal como FileZilla.

La siguiente posibilidad puede la asignación incorrecta en los permisos en archivos y carpetas dentro del servidor, de igual forma puedes modificar estos permisos usando FileZilla, (recuerda que las carpetas deben tener permisos con 755 y 644 en archivos).

La siguiente causa puede ser que la compañía que te este ofreciendo el hosting de tu sitio hay modificado o actualizado algunos permisos por cuestiones de seguridad, en este caso te tienes que comunicar con tu proveedor de hosting y explicar con todo detalle el problema para que puedan resolver el problema.

Si necesitas crear un nuevo archivo .htaccess, puedes crearlo en ajustes -> enlaces permanentes, debes especificar el tipo de ajuste y guardas los cambios.

A continuación, te muestro una serie de ligas que te pueden ayudar a resolver el problema:

  1. Si el problema se presenta al momento de compartir algún post usando la red social de Facebook, con el siguiente enlace podrás revisar las causas y verificar si se sigue presentando: Depurador de Facebook.
  2. Script de JavaScript en Facebook que inserta los permisos de acceso y lectura: FB Script.
  3. Modificación de un registro que puede ser activado al momento de en que se publica un nuevo post.

Espero que con estas ligas puedan encontrar la causa, si ocupan ayuda no olviden comentar y compartir su solución.

Saludos.

No 4. Serie: Relación Cliente-Despacho. «Las buenas cotizaciones se dan con una taza de café.»

Esta semana tuvimos la oportunidad de aplicar el punto del que publicamos en el artículo Creativos in-house VS Estudio Creativo con la llamada de un prospecto que nos pedía una cotización urgente para una página de internet.

La llamada empezó algo así:

prospecto:  

Me urge saber cuánto cobran por hacer una página de internet para una empresa que vende un producto altamente especializado.

La gran tentación radica en responder (y seguido caemos) con preguntas cómo:

¿Hay que crear el contenido, o ya existe?

¿Qué tipo de fotografía o video necesitan?

¿Para cuándo la necesitan?

Y demás preguntas que se clavan en la ejecución. Preguntas que pretenden taclear el la forma y no el fondo. El cómo y no el para qué.  En lugar de eso respondimos con la siguiente serie de preguntas:

¿Qué los hace querer rediseñar su página? 

¿Qué expectativas pretenden cumplir con la nueva página?

¿Quién y para qué va a usar la nueva página?

Lo cuál nos llevó (al cliente y a nosotros) a clarificar que ciertamente necesitan una página de internet, pero: a) cuyo enfoque sería más bien interno que externo y b) Que el presupuesto fuerte hace más sentido en una estrategia de ventas súper targeteada en la que la página no tendrá mucha ingerencia, pero la base de datos y la estrategia de acercamiento sí.

LO QUE EMPEZÓ COMO UNA RELACIÓN DE PROVEEDOR-PROSPECTO, SE CONVIRTIÓ EN UNA SUERTE DE PENSAMIENTO EN VOZ ALTA DE NUESTRO PROSPECTO (AHORA CLIENTE) PARA CLARIFICAR LA MEJOR ESTRATEGIA DE COMUNICACIÓN PARA RESOLVER EL PROBLEMA (OBJETIVO) EN CUESTIÓN. 

La siguiente ves que un cliente les pida una cotización, lleven esa conversación como si fuera un brief. Entiendan el problema a resolver, reboten posibles soluciones y ENTONCES y sólo hasta ENTONCES preparen una cotización.

 

¿EL DISEÑO PUEDE CAMBIAR AL MUNDO?

 

La respuesta es fácil: SÍ. Pero…

La publicidad y el diseño han sido por muchos años criticados y etiquetados por su maña de manipular las masas para vender productos. ¿Pero será simplemente eso: vender? Nosotros creemos que no.

Ahora sabemos que el diseño es mucho más que eso; muchos definen el diseño como la habilidad de resolver problemas y necesidades de forma creativa, y estamos de acuerdo, pero va mucho más allá. El diseño debe ser trascendente e idealmente impactar de forma positiva en la vida de las personas.

El diseño es una oportunidad para cambiar el mundo, ya que el mundo como lo conocemos hoy, es y ha sido diseñado por el hombre. Pero ¿por qué seguimos diseñando como si no estuviéramos pensando en resolver los problemas actuales que hay? ¿Por qué se habla de que el diseño es el culpable #1 de la contaminación y la basura del mundo, y seguimos culpando a las grandes industrias y empresas cuando la realidad es que el diseño no se ocupa de sus propios deshechos? El término “basura” no existe en la naturaleza, lo hemos diseñado nosotros.

Seguramente en algún lugar de Europa…
Seguramente en algún lugar de Europa…

Para que cambie la mentalidad del consumidor, tiene que cambiar la mentalidad del diseñador y vamos hacer algo al respecto. Pero para cambiar, también tenemos que promover y enseñar a nuestros clientes a desarrollar proyectos que realmente aporten algo al mundo y no solamente cumplan con un brief; si realmente queremos influir e innovar hay que empujar ideas que hagan un cambio verdadero.

Pero tenemos un pequeño problema aquí. ¿Cómo hacer que los clientes entiendan esto? En BAMF estamos cocinando una teoría: En cada proyecto nuevo vamos a proponer diseños que sean sustentables (¿o es sostenibles?). En muchas ocasiones puede que el cliente no lo elija, pero así vamos a acostumbrarlos a ver este tipo de soluciones y eventualmente a que opten por estas propuestas.

Antes de empezar cualquier proyecto debemos preguntarnos:

  1. ¿Cuál es la vida útil del producto?
  2. ¿Cómo podemos ampliar la vida útil de ese producto o darle un segundo uso?
  3. ¿Realmente estamos resolviendo un problema con este diseño?
  4. ¿Cómo va a competir esta propuesta con lo que hay hoy en el mercado?

Innovar es hacer cosas diferentes y hacer las cosas de forma diferente. El mundo está cambiando, pero lamentablemente estamos en una situación en la que necesitamos acelerar este proceso. El tiempo es un lujo que ya no tenemos.

Así que manos a la obra. Hay muchas formas de hacer que un diseño sea sustentable y ahí es donde verdaderamente entra en juego la creatividad. No tenemos la receta exacta para cambiar el mundo, pero intentarlo en cada diseño es mejor que nada ¿no?

Los dejamos con:

  • Una frase de Bruce Mau, creador de Massive Change:
"LA" pregunta
«LA» frase

“No se trata del mundo del diseño, si no del diseño del mundo.”

¿PARA QUÉ CONTRATAR UN ESTUDIO SI PUEDES PONERLO IN-HOUSE?

El primer capítulo del libro Agency Mania explora las razones por las que un cliente contrataría una estudio creativo en lugar de poner el equipo internamente.

Como parte de la serie para explorar qué tipo de relación agencia-cliente es la que mayor valor le da a un proyecto creativo, nos leeremos los principales libros que encontramos en el tema. Empezamos con Agency Mania. El primer capítulo no dice mucho nuevo, pero sí nos hizo pensar un par de puntos que efectivamente agregarán valor al resultado creativo.

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Bruno propone que si bien internamente tienes más control, «ahorros» e involucramiento de la marca. Un equipo creativo interno corre el riesgo de quedar aplastado por la burocracia interna. No ser lo suficientemente flexible en talento a las cambiantes necesidades. Perder objetividad.

Gralpois propone también que un estudio provee amplio espectro de talento, objetividad, basta experiencia en dilemas de diseño y comunicación, pensamiento estratégico y adaptabilidad.

 

En nuestra experiencia, no hay una respuesta correcta para todos. Dependiendo las necesidades, de la empresa, del proyecto, será mejor tener un equipo dentro o fuera de la empresa. Creemos que el asunto medular va un paso atrás. Un paso antes de a quién pertenece el equipo creativo, el asunto es: cómo hacemos para que el talento creativo sea pieza activa en la planeación estratégica. Cómo despertamos interés de ambas partes por colaborar y construir juntas. 

ESTUDIO:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu cliente a las primeras sesiones de exploración creativa?

Cuándo llega un cliente nuevo, ¿qué estás haciendo para asegurar que entiendes el meollo de su problemática comercial? ¿el rol del entregable que te pide?

¿Qué estás haciendo para que conozca y entienda el proceso creativo? ¿Su injerencia en el mismo?

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CLIENTE:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu estudio a una sesión de planeación estratégica? ¿A una junta comercial?

Cuándo pides una propuesta económica, ¿cuándo fue la última vez que ANTES de pedir una propuesta para un entregable específico, te sentaste a platicar acerca de tu problema y escuchaste la recomendación acerca del entregable?

CREEMOS QUE EL PIMER PASO PARA UN PROYECTO CREATIVO CON LO MEJOR DE AMBAS PARTES ES DEJAR DE HABLAR DE ENTREGABLES, Y EMPEZAR A HABLAR DE PROBLEMAS.  LA EMPRESA NO NECESITA UN PINTOR, NECESITA UN PSICÓLOGO. TRAIGAN SUS PROBLEMAS Y JUNTOS, ESTUDIO Y CLIENTE, EXPLOREMOS LAS POSIBLES SOLUCIONES. 

 

 

Peppa Pig vs. Las Tortugas Ninja

Si fueras por la calle y te encontraras enfrente del Oxxo a Peppa Pig agarrándose del chongo con las tortugas ninja ¿a quién le apostarías? Obvio a Peppa (es la cerda más ruda de todas). Pero ¿si cambiamos el contexto?, si nuestra apuesta se basara en cual de ellos tiene mejor calidad de diseño y animación ¿por quién votarías? En gustos se rompen géneros y habrá quien diga que uno o el otro, pero lo que hoy ponemos sobre la mesa es que a pesar de su alto nivel de abstracción y forma sencilla, todos vemos en Peppa una cerdita, pero alguien podría decir qué es esto?

Tortuga? Ninja? Adolescente?
Tortuga? Ninja? Adolescente?

“Una tortuga mutante ninja adolescente, ¡obvio!” dirán, y sin poner en duda la calidad de render y postproducción que conllevó hacer a este personaje, desde nuestro punto de vista no refleja lo que debería.

El siguiente es un ejemplo de cómo puedes humanizar o replicar un ser vivo y no morir en el intento. Dos personajes, ambos basados en un majestuoso orangután borneo, que tuvieron una ejecución muy buena y no hay duda de que logran reflejar la esencia del original; tal vez tengan la misma calidad técnica que nuestra tortuga adolescente pero cada uno conservan a su manera los rasgos clave del modelo y además tienen su propia personalidad.

Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”
Orangután real / Maurice de “Dawn of the Planet of the Apes” / King Louie de “The Jungle Book”

Por ahí se dice que dentro del amplísimo rango de la animación hay un pequeño obstáculo al que llamaremos “La Fosa” del cual muy pocos personajes animados han podido sobrevivir. La teoría consiste en que mientras más se acerque un personaje al “realismo”, más difícil será agradar al público ya que las expectativas de lo real son muy altas; lo real es lo real, y punto. Es por eso que es más fácil encontrar empatía por una pequeña cerda, que no quiere ni pretende ser realista, a creerte esa cara para una tortuga mutante.

Cómo vemos “La Fosa»

Los avances de la animación hoy en día han ayudado a alcanzar un nivel altísimo dónde los pequeños detalles son los que marcan toda la diferencia, y al ver una película, nuestro cerebro debe evaluar muchos factores para determinar qué tan real o no es algo, y además de la semejanza física, uno de esos factores –el más importante según nosotros– son las llamadas microexpresiones. Una microexpresión es algo que hacemos todos y cada uno de los días sin buscarlo, son esos pequeños y cortísimos movimientos que hacen nuestros músculos de manera involuntaria y que percibimos inconscientemente en los demás, de los que generalmente carecen los personajes y hacen que las animaciones tengan ese toque distante o ajeno que no nos permite sentirnos identificados con ellos del todo.

Este es un ejemplo de cómo se ve un parpadeo humano, ¿notan cómo ese pequeño músculo debajo del ojo se contrae y relaja al abrirse el ojo? Y ¿cómo se contrae ligeramente la pupila?, el siguiente ojo es el de Neytiri, la protagonista de la película de Avatar, y se puede ver cómo replica casi a la perfección el movimiento. Después tenemos a Mike Wazowski y su bello ojo de bebé y después esa forma que parece óvulo es el ojo de Peppa.

En fin, no hay bueno ni malo, todos tienen diferentes estilos y cada uno es bueno en lo suyo. Además a una buena trama no la mata nada, una película puede ser buenísima aunque al protagonista se le vaya el ojo chueco o no se le dilaten las pupilas.

Sin embargo, no está de más conocer esos pequeños detalles que nos ayuden a juzgar mejor la próxima película que veamos, y saber en qué fijarnos si es que dudamos si es un personaje real o pura computadora y que Peppa Pig siempre gana.

Para terminar les compartimos un video. ¿Cuál personaje es generado por computadora y cómo lo saben? (haciendo a un lado el hecho de que ya había fallecido cuando se hizo el comercial)

www.youtube.com/watch?v=gx9eDoS76LM

No.2 Serie: Relación Cliente-Estudio. Panorama actual.

En el post anterior de la serie «Relación entre cliente y estudio» recomendamos algunos libros que exploran cómo es y cómo puede fortalecerse la relación entre estudio y cliente. A lo largo del año iremos leyendo los libros recomendados y semana con semana publicaremos algún aprendizaje. Todo esto, a partir de la semana que entra (al menos a eso le tiramos). Para esta publicación nos gustaría escribir acerca de las deficiencias que, en nuestra experiencia, vemos actualmente.

La relación está fundamentada en un profundo desconocimiento

Ni los clientes saben bien a qué nos dedicamos o para qué somos buenos, ni las personas de la agencia solemos investigar bien qué puesto tiene nuestro cliente, qué objetivos tiene como persona dentro de la empresa, y el lugar del proyecto en cuestión dentro de su gran objetivo personal. La relación se queda, como la de la compra de unos tacos en la esquina, en mera transacción. ¿Por qué no preguntamos más?, ¿Por qué no dedicamos más tiempo al principio a entender en dónde está parado cada quién? Entender qué queremos del proyecto, qué fortalezas tenemos, qué trayectoria profesional. 

La relación está fundamentada en desconfianza

Producto de lo superficial de la relación, el desconocimiento se traduce en desconfianza. Tanto cliente como estudio dudan de las capacidades del otro, negando así, la expectativa de que el otro tenga algo que aportar. Los creativos piensan que el cliente no sabe nada de diseño, no tiene ojo, no tiene gusto. El cliente asume que el estudio no considera el impacto comercial, el costo, tiempo, o las limitantes de logística y producción. ¿Por qué se queda cada uno en su trinchera? Creemos que es obligación de ambas partes salir del área de confort y empaparse de conocimientos del otro lado. Todo cliente que compre diseño debería leer revistas de diseño. Todo creativo debería leer acerca de estrategias comerciales y de procesos corporativos. 

La relación está llena de micro-dirección

O como dirían los gringos micromanagement. Clientes que dictan diseño. Clientes que contratan a un estudio para decirles qué hacer, en dónde poner elementos y que colores utilizar. Creativos que obedecen. A falta de capacidad de poner un discurso más elevado en la mesa, los creativos acaban acatando ordenes. ¿Por qué no sabemos pedir brief? ¿Cómo podemos convertir la sesión de brief en una sesión de trabajo en donde se explora el objetivo de comunicación, la problemática a resolver y dejamos de tomar comanda?

En resumidas cuentas, creemos que tenemos mucho que aprender ambas partes. Esperamos que esta serie resulte de interés a creativos y clientes. En [BAMF] queremos elevar el discurso de la creatividad y los estándares de trabajo, pero sobre todo, nos encantaría trabajar en colaboración con los clientes y que la relación fuera de crecimiento mutuo. En donde cada parte pone lo suyo para un proyecto exitoso.

Esperamos que esta serie nos llene de ideas, estrategias y herramientas para ser creativos más comerciales, más corporativos, y que los clientes sean, más proactivos, más eslabón de proceso. Menos dictado, menos comanda, más colaboración. 

 

Serie: Relación entre el cliente y el estudio

A lo largo de nuestras carreras, hemos visto que suele ser más complicado manejar la relación entre el cliente y el estudio, que el trabajo creativo por sí mismo.

Nos parece pertinente, tanto para creativos como para clientes, explorar la relación de trabajo entre el estudio y la marca, para no solamente minimizar dificultades, sino, realmente, construir relaciones que agreguen valor al proyecto.

¿Es posible que aprendiendo a comprar diseño y a escuchar al cliente, los proyectos creativos suban de nivel? ¿Es posible que nuevas y mejores prácticas de trabajo entre estudio y cliente resulten en mejores marcas?

Estamos seguros que sí. En nuestra búsqueda por encontrar cuáles son estas prácticas, en los siguientes meses, nos enfocaremos a leer y escribir del tema, con la esperanza de que nuestros lectores (diseñadores y clientes), elevemos la relación de trabajo y podamos así crear cada vez mejores resultados para las marcas (que al final, es lo que ambos buscamos).

En este artículo, además de introducir el objetivo de la serie «La relación entre agencia y cliente», les presentamos la lista de libros que encontramos, en la que basaremos muchos de los contenidos.

  1. What Clients Really Want (And The S**t That Drives Them Crazy): The Essential Insider’s Guide for Advertising Agencies on How Account Management Can Create Great Client/Agency Relationships, de Chantell Glenvillee79c4350d4a99abd3dca0a845070caaf51b1495d_860
  2. The Art of Client Service: The Classic Guide, Updated for Today’s Marketers and Advertisers, de Robert Solomon

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  3. How to Get the Best Creative Work From Your Agency, de Nancy L. Salz

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  4. Client Agency Relationship, de Nicole Lorat

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5. Agency Mania: Harnessing the Madness of Client/Agency Relationships for High-Impact Results, de Bruno Gralpois

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6. Clients from Hell: A Collections of anonymously-contributed client horror stories from designers, anónimo

Este, la verdad, para parar las antenas y reír (o llorar?) un poco.

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Para los que quieran leer más de branding y cómo llevar una agencia, además de la relación con el liente, esta lista está muy completa. Tenemos y hemos leído varios de los libros recomendados, y ubicamos muchos otros, así que se ve que está bien curada. 25 Must Reads For Creatives

¿Qué estrategias de colaboración con cliente/estudio aplicas para mejorar el resultado final de un proyecto creativo?

 

¿Para qué diablos sirve la tipografía?

El tema de la tipografía es para algunos (los diseñadores muy clavados) apasionante, para los más novatos (tanto diseñadores como clientes) irrelevante. En el estudio nos damos agarrones consultores-diseñadores a cada rato. La conclusión a la que algunos hemos llegado, es que la tipografía es la base del diseño. Es importantísima, es lo que establece el tono, la actitud. La tipografía es como los tacos de perro.

1. El que no ha probado otra cosa no se da cuenta

La tipografía, como los tacos, la hay bien y mal hecha. Bien y mal escogida. Pero solamente aquellos que han desarrollado un gusto (un paladar), distinguen cuando se trata de un taco de perro o de res. Esto explica porque hay tantos artes con mala tipografía.

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2. Hasta la carne de perro jala con limón y salsa

Si piensas en una pieza de diseño (póster, por ejemplo), como en un taco de pastor. Los elementos que se agregan a la carne (tipografía), como son el adobo, la cebolla, la piña, el limón y la salsa, disfrazan y distraen del sabor original.  Una tipografía mal escogida puede salvarse con los demás elementos de diseño, pero eso no quita que estemos comiendo perro. No quita que habiendo 10,000 tipografías disponibles, hayamos elegido una que no viene al caso, o que no pone el corazón del platillo. Al final, el trabajo de la tipografía es establecer el tono, la forma, la voz de lo que se está comunicando y de quién lo está comunicando.01_Tacos_al_Pastor

3. No es cierto que da lo mismo

Sí, borrachos a las 3 de la mañana, o muertos de hambre a las 4 de la tarde, sí, cualquier taco es bueno. Pero si ya estamos invirtiendo tiempo y dinero en diseño; si pasamos horas moviendo colores, acomodando, pensando retícula, ¿por qué no darle ésa importancia a la selección de la tipografía?

No podemos seguir dejando que tipografías como Trajan sean el «default» de cine, por ejemplo. ¿Desde cuándo 4 solteras de Nueva York hablan igual que los Jedi?

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Y mucho menos podemos dejar que Comic Sans sea la única letra «amigable» «a mano» que conocemos!!!

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Decidí que la tipografía es como los tacos de perro porque sólo el ojo entrenado valora la diferencia, porque no siempre se nota a simple vista. Sin embargo, distingamos o no, ¿Quién a sabiendas preferiría perro?

Los tacos de perro (o la mala tipografía o mal uso de la tipografía) siempre va a existir, siempre va a ser una opción cuando no haya de otra. Pero ¿quién en su sano juicio escoge un taco de perro si puede comer res?  ¿Quién no querría saber distinguir la diferencia para no caer en la trampa de comer perro, comprar perro o cocinar perro?

Así que ¿de qué diablos sirve la tipografía?  Sirve para establecer el tono, elevar la conversación, distinguir de entre mil voces, balancear el diseño.

¿Cuál es tu placer culpable? ¿Qué tipografía se ha convertido en tu zona de confort venga o no al caso? 

 

 

 

 

Al cliente (o lector) lo que pida…

Este post va dedicado a María Bi, que pidió nuestra opinión acerca del nuevo logotipo de La Comer.

Empecemos por decir que el logotipo anterior de Comercial Mexicana era un excelente ejemplo de un isotipo abstracto, bien ejecutado gráficamente, aunque un poco frío e industrial por los cortes tan geométricos (nuestra opinión, recuérdenlo). Diseñado en 1986 por Rafael Treviño cuando estaba en el despacho de Fernando Rión, la imagen anterior presenta líneas seguras y precisas. Con una tipografía anclada en la época en que fue diseñado, que al menos no es Helvetica, falla un poco en el interletrado.

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La nueva propuesta hace tres cosas bien: utiliza el nombre que todos de damos a Comercial Mexicana (La Comer), mantiene al pelícano como ícono central de la identidad y conserva los colores institucionales (aunque los hace un poco más frescos). El tema del nombre es algo complejo, porque al parecer, es un tema legal en el que una marca (Soriana?) compró varias tiendas y el nombre; y las restantes no pueden usarlo en lo que se reparten los bienes. En fin, creemos que fue un acierto usar La Comer. El pelícano se ha asociado con este supermercado ya por varios años y algo completamente nuevo no necesariamente hubiera sido malo, pero nos complace ver que la historia y el legado de la marca se decidieron mantener – al menos por ahora.

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Al mismo tiempo, la nueva propuesta hace tres cosas mal: presenta Impact como la tipografía, acomoda extrañamente “la” en la composición del nombre y cambia el envolvente del pelícano. Impact. En serio?? Ahora nos arrepentimos del comentario de Helvetica. Habiendo tantas tipografías allá afuera y tanto talento nacional (o internacional, si prefieren) para el desarrollo de una fuente propia, Impact fue la elección?? No tenemos idea de quién haya tomado esa decisión y esperamos que pronto salga a la luz la tipografía oficial y que este sea un uso temporal. *cruzamos los dedos* El acomodo del nombre parece ser una forma de separar “la” de “Comer”, pero hay muchas otras opciones más afortunadas gráficamente (LaComer, por ejemplo). Y el envolvente creemos que es igual de icónico que el pelícano; parece que el razonamiento fue: “si ya vamos a rediseñarlo, de una vez rehagamos todo”. Tal vez nos hubiera gustado que el envolvente fuera un sol, posicionando al pelícano en su hábitat natural; pero aún así, el original tenía mucha presencia (aunque fuera menos amigable). La “evolución”del pelícano no es mala, ya que lo hace más amigable, más realista (un poco) y se enfoca en la cabeza, que al final es la parte más distintiva del pelícano. Aunque nos duele no ver más el pelícano ejecutado con esa excelencia gráfica, sabemos que la nueva propuesta tiene lo suyo.

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En BAMF tenemos una dinámica en la que cada diseñador (o porgramador, o community manager, o quien se anime…) tiene que diseñar una playera cada X tiempo. Les dejamos una de las propuestas de hoy a manera de despedida.

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DC + Pentagram? Debería de funcionar, no?

Siendo fans de los cómics y de Pentagram, no podemos resistir aventar nuestra opinión acerca del rediseño del logotipo de DC Comics.

Empecemos por decir que no creemos que haya sido una buena estrategia y aquí va todo nuestro razonamiento: DC ha cambiado su logotipo 10 veces desde 1940.

Imagen robada descaradamente de brandemia.org

El penúltimo cambio, en 2012, fue bajo la dirección de modernizar el logotipo, creando una identidad flexible que comunicara la gran variedad de contenidos, historias y personajes con los que cuenta DC. Hecho por Landor, creemos que fue un excelente trabajo: un logotipo capaz de representar a cualquier superhéroe gracias a la modificación del tratamiento gráfico de las dos capas con las que contaba y que también comunicaba la idea de una identidad secreta debajo de una más pública (la C cubierta por la D). Si nos preguntan – y no, NADIE nos preguntó – dieron en el clavo. Mejor todavía, si vemos todas las aplicaciones y variantes que se hicieron a lo largo de los años (y las que no se hicieron, pero se pudieron haber hecho en el futuro); cada superhéroe pudo haber tenido su versión propietaria del logotipo de la marca.

Imagen robada descaradamente de brandemia.org
Imagen robada descaradamente de brandemia.org
Imagen robada descaradamente de brandemia.org
Imagen robada descaradamente de brandemia.org

Después de tan solo 4 años, DC decidió regresar a la idea más “icónica” de lo que debe ser un logotipo y retoma muchos elementos del clásico diseño de 1977 de Milton Glaser (uno de los favoritos de los fans con más canas) y otros tantos de la versión de 1974 (otro de los favoritos de los fans con MUCHAS más canas). Aunque es muy pronto para juzgar todo el sistema de comunicación que esperamos esté por revelarse, creemos que la nueva propuesta de Pentagram deshecha todo lo moderno y adaptable del logotipo de Landor y opta por una identidad más monolítica, sobria y estática.

El nuevo logo de DC
El nuevo logo de DC

Según Jim Lee «The nooks and angles are meant to evoke the Superman «S», the Wonder Woman «WW» emblem and the Bat logo”, cosa que deja fuera a la enorme cantidad de personajes y se centra, de manera demasiado difícil de percibir, en los tres más importantes (con lo que tampoco estamos de acuerdo). Sí, son los más populares, pero siendo fans, queremos ver también a los más “nuestros” (hablando como geeks), como Red Tornado, Blue Beetle, Booster Gold, y miles más. El tema con esto, es que los personajes más populares pasaron a ser de todos, incluso de gente que usa camisetas de Batman sin saber cómo se llamaban sus papás (ahora con Dawn of Justice esperamos que lo sepan), ni que el nuevo Robin es su hijo. En fin, en nuestra opinión, Pentagram le dio el tratamiento Pentagram a DC, cosa que no encaja muy bien con el universo de los cómics. Aunque debemos esperar a ver si se desarrolló un sistema de comunicación al rededor y qué valores gráficos utiliza.

Como conclusión (o interpretación muy infundada), parece que ninguno de los diseñadores de Pentagram lee cómics; y se ve que los de Landor sí. Por cierto, los de [BAMF] leemos muchos más. Para que nos avisen por ahí del 2020 para el nuevo.