Gustos tipográficos

Elegir un tipo de letra: Ese instante del proyecto que todo creativo vive intensamente, donde el corazón y los gustos combaten contra la sugerencia del cliente o peor aún, contra la petición del mismo. Parece una tarea simple, sin embargo la elección tipográfica determinará en gran medida si un proyecto funciona o no. Así de simple y complicado resulta elegir.

En muchos casos resulta tan sencillo como elegir alguna de las favoritas del gremio: algunas por su funcionalidad, otras por su aspecto visual y dentro de ellas encontramos algunos nombres como: Gotham, Futura, Helvética, etc.

Sin embargo, en la vida como en el diseño existen los gustos extraños que son difíciles de entender, algunos van desde “free fonts”, los usos inadecuados o similitudes a otras tipografías. Es por ello que nos dimos a la tarea de buscar esas excepciones tipográficas y tratar de entender qué es lo atractivo en ellas. A continuación les compartimos una lista y ejemplos que obtuvimos al preguntar a un grupo de diseñadores, algunos trabajan en [BAMF], otros son independientes.

  1. Lobster: “Tiene la mezcla entre clásico, bold y con hermosas ligaduras”

Diseñada por Pablo Impallari en 2010, una tipografía script, bold y de uso libre, lo cual ha permitido que todo el mundo la use a tal grado que algunos sitios la empiezan a llamar “la nueva Comic Sans”. Sin embargo, eso no le resta funcionalidad.

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  1. Arial Rounded: “Solo tienes que arreglar el kerning y ella hace el resto”

Traída al mundo por Robin Nicholas y Patricia Saunders, es probable que la hayas visto en algunos logotipos, en “myspace” del 2003, por ejemplo. Cabe mencionar que el diseñador dice que ama esta tipografía en su versión bold.

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  1. Campton: “Geométrica, limpia, es ideal para grandes títulos y párrafos cortos”

Una Sans Serif creada por René Bieder en 2014, su geometría y las variantes que ofrece son extraordinarias, eso permite aplicarla en editorial, empaque, web y muchas otras áreas; no es una tipografía tan común y eso la hace especial.

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  1. Raleway: “Es amigable y sus caracteres son perfectos para diseño web”

Como ya mencionamos anteriormente, fue creada por Robin Nicholas y Patricia Saunders en 1982. Es tan popular como Helvetica debido a su disponibilidad en la paquetería de Microsoft. Existe una gran discusión sobre su originalidad, sin embargo, la diferencia radica en que Arial posee un diseño más redondeado, sus trazos son suaves y no tan forzados como el caso de Helvetica.

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  1. Calibri: “Es amigable y formal al mismo tiempo, sus pequeñas curvas en cada terminación la hacen irresistible para frases cortas”

Diseñada por el tipógrafo Lucas De Groot y posteriormente adquirida por Microsoft en 2002. Para los que usamos la plataforma de Microsoft Office, la conocimos en el 2007, cuando fue incluida para toda su paquetería. Resulta ser una Sans Serif con las variantes suficientes para armar bloques de texto limpios y modernos; es una de las mas usadas en diseño web y libros de texto.

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  1. Klavika: “La conocí con Facebook y no he parado de usarla desde entonces”

Creada por Eric Olson en 2004, una tipografía Sans para el siglo 21, su personalidad y aspecto moderno la hacen atractiva. El poder adquirido por Facebook hizo que muchos la voltearan a ver y la comenzaran a usar en muchos proyectos.

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  1. Avenir: “Logotipos, párrafos y sistemas de identidad, no existe material para el que no funcione, es geométricamente hermosa y la versión bold es mi favorita”

El señor Adrian Frutiger la diseñó en 1988 y hoy en día es una de las más vendidas a nivel mundial. Su geometría y sus 12 variantes la hacen un top de grandes marcas que la han adoptado para el trabajo visual.

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  1. Bebas: “Logotipos, frases cortas y portadas de película. Nunca falla, solo hace falta intervenirla un poco para que no se vuelva común, aunque ya lo es”

Esta tipografía de uso libre es un gusto bastante extraño. Creada por Ryoichi Tsunekawa, es muy usada para diseño web, impreso y en el arte. Tiene pocas variantes pero sus trazos elegantes y limpios la hacen muy funcional en muchas piezas gráficas (incluyendo memes).

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  1. Georgia: “La usé en mi primer trabajo formal. Eran unas invitaciones y fue perfecta, aunque ahora ya la uso de una mejor forma”

Matthew Carter diseñó esta tipografía para Microsoft en 1993. Una tipografía Serif, sus características ofrecen una gran legibilidad, es usada de forma recurrente en el ámbito editorial.

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  1. Century Gothic: “Cuando te piden algo minimalista y no hay tanto presupuesto, esta es la confiable”

Tipografía geométrica, minimalista, Sans Serif creada por Monotype, Sol Hess y Morris Fuller Beton. Cuenta con una gran cantidad de variantes e idiomas. Resulta sin duda alguna una tipografía gratuita que te puede salvar el día.

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  1. Garamond: “Inicié mis clases de tipografía en la universidad y la maestra nos hizo hacer planillas del abecedario con Garamond. Fue amor a primera vista”

Diseñada originalmente por Claude Garamond, y posteriormente adquirida por Adobe, la cuál fue trabajada por Robert Slimbach, esta tipografía en especial es una de las más influyentes de la historia. El cine la adoptó para una gran cantidad de portadas de películas. Posee una gran cantidad de variantes y está adaptada a más de 30 idiomas. Garamond es un referente histórico de la tipografía.

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  1. Rockwell “Me encanta hacer sellos e insignias, y siempre me saca de apuros”

Nació en 1910 a cargo de Fundación Inland, con el nombre “Litho Antique” y posteriormente fue intervenida por American Type Founders, Morris Fuller Benton y en el año 1934, Monotype Design Studio, con Frank Hinman Pierpont lanzaron su propia versión con el nombre “Rockwell”. Es una tipografía flexible y te da la oportunidad de crear pequeños párrafos; es un gran aliado al momento de hacer títulos, hoy en día es muy empleada para editorial, identidad, web, etc.

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  1. Trajan: “Me incomoda verla en muchas portadas, pero no puedo resistirme a sus patines, sus delicados y finos trazos”

Creada por Carol Twombly en 1989, inspirada en las inscripciones talladas en la base de la columna que conmemora la conquista de Dacia por el emperador Trajano ubicada en Roma. Esta tipografía llena de historia, elegancia y legibilidad remite al espectador a tiempos pasados. Uno de sus usos más frecuentes es en portadas de películas, es un recurso muy usado y también se ha abusado de el.

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  1. Bodoni “Es común encontrarla en invitaciones y revistas; me entristece verla en cualquier parte y mal aplicada”

Por último, debo aceptar que no me gustaba, pero con el tiempo le he adquirido un gusto muy peculiar. La creación del tipógrafo Italiano Gianbattista Bodoni, una Serif que ha sobrevivido al paso de las tendencias y épocas. Sus trazos modernos, combinación entre líneas finas y gruesas, remates delgados y rectos hacen que tenga un gran contraste. Bodoni es ahora una de mis tipografías favoritas.

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Productos emocionales

El otro día iba caminando por la Condesa cuando empecé a notar que una cantidad significativa de barberías nuevas habían abierto en esta zona. Primero sólo pensaba que estaban de moda y que por las características de la zona, se habían abierto algunas para atender a un segmento descuidado del mercado, pero después empecé a notar que este fenómeno se encontraba no sólo en esta colonia, sino en la ciudad entera y muchas personas que conocía (no necesariamente hipsters) empezaban a ir a estos lugares. Empezaron a correr por mi mente pensamientos como; ¿por qué existen hoy en día el triple de barberías (si no es que más) que hace 10 años si cabello y barba lo hemos tenido siempre?, barberos existen desde los tiempos de la antigua roma ¿por qué en el 2017 pareciera ser una necesidad nueva?

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La estética masculina en la antigua Roma.

Y es que si nos damos cuenta, las tendencias de estilos y moda en este sector se han movido a favor de las barberías. Los nuevos cortes de cabello (como el famoso “fade”) y estilos de barba están diseñados para no durar más de dos semanas, haciendo que tengamos que ir más seguido a cortarnos la barba o el cabello si queremos mantener nuestro estilo.

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Fade (o Desvanecido) es un tipo de corte que va de largo a corto (prácticamente afeitado).

Y es que en un mundo donde tenemos nuestras necesidades básicas cubiertas de forma relativamente sencilla (a diferencia de otras épocas), empiezan a surgir otro tipo de necesidades. Es aquí donde algunas marcas encontraron la oportunidad de generar valor a través de las emociones. Estas marcas se dieron cuenta que con los consumidores actuales no basta satisfacer una necesidad racional, sino que deben abordar un contexto emocional de la necesidad.

Consumimos casi cualquier cosa con la que nos sintamos identificados sin que exista en sí una necesidad racional. Es así como podemos explicar el por qué alguien que iba a cortarse el cabello una vez cada dos meses ahora va cada 3 semanas (como el primo de un amigo). Las barberías (si se llevan de una forma correcta) proporcionan un medio de asociación personal así como una proyección de lo que somos o queremos ser hacia el exterior.

El crecimiento de esta industria en los últimos años se debe muy probablemente a la correcta identificación y cumplimiento de las necesidades y deseos de sus clientes. Las barberías como marcas emocionales no sólo apoyan lo que somos sino que nos dan significados tangibles de lo que queremos ser.

*Fotos robadas de Google y Shutterstock

Cuando algo no debería de funcionar, pero funciona

Hace algunos días nos topamos con una botella de vino que nos llamó mucho la atención. Una gráfica sólida y segura de sí misma, con pocos elementos, pero cada uno con una voz muy personal y definida y colores muy atrevidos en conjunto. La etiqueta del vino “EL NIÑO”, de Campillo tiene los elementos indicados para saltar a la vista y atraer al consumidor; en nuestro libro, una gran victoria en el anaquel.

Botella
Una botella atractiva que brinca del estante.

El problema (¿será problema?) es que inspeccionando de cerca la etiqueta, rompe con casi todas las reglas del diseño. Reglas que por muchos años han definido el “buen” diseño. Reglas en las cuales nos hemos apoyado para hacer lo que hacemos. Reglas que nos dan seguridad en que nuestro trabajo está bien hecho. Reglas que desde la universidad, han recibido un lugar especial como herramientas indispensables de los diseñadores para diseñar.

La tipografía de la etiqueta, en un color rojo brillante, se olvida de la compensación en las curvas de la “O”, que según cualquier tipógrafo que se respete, debe cruzar la línea base para verse del mismo tamaño que las letras rectas. Con la “N” pasa lo mismo: las terminaciones agudas en el asta diagonal ignoran el peso visual y se rigen más por la matemática (o sea, llegan al mismo lugar, aunque deberían ser más largas para que se vean del mismo tamaño).

Detalle de la linea base.
¿Quién demonios diseñó esto?

Otras letras también deciden ignorar a los cánones del buen diseño y no conservan los rasgos que las deberían unificar para que pertenezcan todas a una misma fuente. Las terminaciones y trazos de la “i” y “N” parecen sugerir que las letras fueron trazadas de manera independiente, y por manos distintas. Otro caso es el punto de la “i” que tampoco compensa y es del mismo tamaño (la misma medida) que el fuste (debería ser más grande). Y por si no fueran suficientes insultos, la primera “N” tiene un inicio en ángulo en la parte inferior, mientras la “Ñ” lo tiene horizontal. Y ni nos pregunten por la “i” minúscula que se coló a la fiesta.

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¿Habrá sido diseñado por partes, en estudios diferentes?

Con todo esto, al final el diseño funciona muy bien. Puede ser uno de esos casos en donde hay que conocer las reglas para poder romperlas y hacer que el diseño funcione, pero nos ha causado un leve dolor de cabeza desde hace varios días. Todo lo que sabemos de diseño nos dice que está mal diseñada, pero nos encanta.

Ah, y el vino está bastante bueno. Aunque de eso no sabemos mucho…

ARTE, HIPSTERS Y CRUSTÁCEOS

Los humanos son naturaleza, son parte y resultado de la evolución. Nuestros actos y nuestros pensamientos son producto de esa evolución. En consecuencia, cuando los humanos llegan a conocer algo, se revela su propia naturaleza.

 Ernst Haeckel. Naturalista, ilustrador y filósofo alemán (s. XIX – XX)

https://www.youtube.com/watch?v=szhJzX0UgDM

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Algo pasa con las langostas. Algo tiene su fisionomía, su vivo color, sus intrincadas mecánicas motoras, su comportamiento “social”. Algo tiene ese cascaroso crustáceo que parece despertar la curiosidad y creatividad de artistas, diseñadores y demás bichos del abanico estético-creativo. ¿Qué será?

Uno de los caminos a tomar, para no ahogarnos en pesados laberintos zoo-filosóficos –al menos en primera instancia y a modo de estrategia comunicativa-, sería simplemente dejar planteada la pregunta. (Diremos que las preguntas nos dejan pensando y pensar siempre es bueno.)

Quizás también podríamos ampliar un poco más y ahondar en las posibles motivaciones emocionales, estéticas, inconscientes que parece generar este crustáceo.

O incluso podemos utilizar todo esto como excusa y merodear -como tiburones- alrededor de algunos productos creativos (cinematográficos, tipográficos, pictóricos, etc.) vinculados de una u otra forma a esta curiosa manía marina.

Dalí, el fetichista

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Una de las obsesiones de Salvador Dalí. El artista vinculaba las langostas con lo afrodosíaco, lo sexual y con el miedo: “la historia de este terror continúa siendo para mí uno de los grandes enigmas de mi vida”.

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Una de las obras más emblemáticas es su Teléfono langosta (1936), o “Teléfono afrodisíaco” como solía llamarle. Este objeto surrealista fue un encargo del acaudalado poeta y coleccionista inglés Edward James, quien pidió al artista que convirtiera su casa en un palacio de excentricidades.

Fanático del buen comer, Dalí gustaba de incluir alimentos en sus creaciones pictóricas o performáticas, que combinados con objetos cotidianos como teléfonos o relojes, resultaban en provocaciones alucinógenas y oníricas.

La langosta como animal metafórico (al igual que las hormigas, los leones, y los alimentos tales como el pan, los huevos, la carne) es retratado en varias de sus obras, quizás, como forma de sublimar ese terror inconsciente e inexplicable al que hacía alusión.

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Tal es el caso de la langosta cubriendo genitales femeninos (en un claro sentido sexual), sobre la cabeza de su mujer Gala, o ilustrando el cartel de un ciclo de conferencias surrealistas (1935).

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El crustáceo, ya convertido en símbolo, es retomado por la diseñadora de modas italiana Elsa Schiaparelli, quien junto con Dalí, crea en 1937 el Vestido con langosta.

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The Lobster font, ¿otra víctima del comicsansismo?

 En 2010, el diseñador argentino Pablo Impallari (Libre Franklin, Libre Bodoni, Encode Sans, entre otras) crea esta cuidada tipografía, de claro corte vintage. Tras el ofrecimiento de formar parte del catálogo de Google Fonts, la Lobster se convirtió en una de las más utilizadas en diseños de todo tipo, clase y color (vintage o no).

Un año más tarde, en 2011, lanza una segunda versión: “Lobster Two es la versión actualizada y mejorada de la familia The Lobster Font, que ofrece un peso más liviano y dos nuevas variantes verticales.” (impallari.com)A partir del uso desmedido e indiscriminado de esta familia, algunos se han animado a comparar el fenómeno al de la tipografía más odiada del planeta (sí, la Comic Sans. Vincent Connare, 1994). Las Lobster han llegado incluso a ganarse un lugar en las listas de las tipografías que ya no debemos usar.

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Comenta Impallari acerca de su creación: “Es gratificante encontrarla por la calle, o en las revistas o la televisión. A veces los diseñadores la utilizan con mucho acierto y otras veces no tanto, pero eso está fuera de mi alcance.”

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Todo elemento comunicativo –y no mera decoración- tiene su objetivo y su personalidad. Al convertirse en moda y repetirse hasta el hartazgo, su función se diluye al punto de desaparecer. Como una diva en decadencia, anhelando su pasado de gloria.

Sólo el tiempo, o la condición cíclica de la moda, dirán si se merece una segunda oportunidad.

Pero… ¿por qué su nombre crustáceo? Habrá que preguntarle al creador: impallari@gmail.com

The Lobster (película), surrealismo crítico

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En 2015, el director de cine griego Yorgos Lanthimos presenta su última película, titulada The Lobster. En ella, se presenta un mundo distópico en el que los solteros son llevados a un hotel-cárcel, donde deberán encontrar al amor de su vida en 45 días. Si no lo hacen, al cabo de ese plazo, serán convertidos en un animal a su elección. El protagonista lo tiene decidido y lo explica en estas líneas:

Manager del hotel: ¿Ha pensado qué animal querría ser de terminar solo?

David: Sí. Una langosta.

Manager del hotel: ¿Por qué una langosta?

David: Porque las langostas viven más de cien años, tienen sangre azul como los aristócratas y son fértiles durante toda su vida.

Y claro, de ahí el título de la película. Una vez más, este animal está vinculado al surrealismo, ya que todo gira en torno a una metáfora –ver parodia- crítica de los vínculos amorosos y a la exaltación exagerada de la pareja como base de la felicidad. La lógica interna del film se construye a partir y a través de una estética vintage pero en un mundo aparentemente futuro, lo que genera un extrañamiento a la vez que revela una cruda realidad.

La langosta como hipster icon

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Flamingos, cebras, zorros, tigres, lobos, osos, ciervos… langostas.

Todos estos animales parecen estar de moda. Se han convertido en iconos, han aterrizado y plagado las redes sociales, la moda; se han vuelto cool.

 https://www.pinterest.com/dtatt/my-lobster-obsession/

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Comenzábamos este post destacando algo que no siempre recordamos: los humanos también somos animales. Sí, qué obviedad.

Y quizás esta repentina -aunque no inocente- necesidad de volver a la naturaleza, a lo primitivo, a lo animal, no sea más que un mensaje de esta era.

Quizás los humanos nos hemos saturado y estamos necesitando un regreso al origen. No en vano la moda de lo orgánico, de la medicina natural, de la defensa de los “derechos” de los animales, de lo eco-sustentable, etc.

Si pensamos hacia atrás, los artistas románticos del siglo XIX –por ejemplo- ya planteaban esta necesidad de evadirse, de romper los límites y entregarse a las pasiones, al deseo de libertad irrefrenable, etc. ¿No nos parecemos, acaso, bastante a eso?

Como decíamos, la moda es cíclica (porque la naturaleza y el ser humano lo son) y no será ni la primera ni la última vez que vivamos un período de estas características.

Habrá que seguirle la corriente a las langostas y ver dónde nos llevan.

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Más:

http://www.impallari.com/lobster

About Us

Salvemos la Fuente Lobster

http://increnta.com/es/blog/es-la-lobster-la-nueva-comic-sans/

http://www.letteringtime.org/2014/04/entrevista-pablo-impallari.html

¿PARA QUÉ CONTRATAR UN ESTUDIO SI PUEDES PONERLO IN-HOUSE?

El primer capítulo del libro Agency Mania explora las razones por las que un cliente contrataría una estudio creativo en lugar de poner el equipo internamente.

Como parte de la serie para explorar qué tipo de relación agencia-cliente es la que mayor valor le da a un proyecto creativo, nos leeremos los principales libros que encontramos en el tema. Empezamos con Agency Mania. El primer capítulo no dice mucho nuevo, pero sí nos hizo pensar un par de puntos que efectivamente agregarán valor al resultado creativo.

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Bruno propone que si bien internamente tienes más control, “ahorros” e involucramiento de la marca. Un equipo creativo interno corre el riesgo de quedar aplastado por la burocracia interna. No ser lo suficientemente flexible en talento a las cambiantes necesidades. Perder objetividad.

Gralpois propone también que un estudio provee amplio espectro de talento, objetividad, basta experiencia en dilemas de diseño y comunicación, pensamiento estratégico y adaptabilidad.

 

En nuestra experiencia, no hay una respuesta correcta para todos. Dependiendo las necesidades, de la empresa, del proyecto, será mejor tener un equipo dentro o fuera de la empresa. Creemos que el asunto medular va un paso atrás. Un paso antes de a quién pertenece el equipo creativo, el asunto es: cómo hacemos para que el talento creativo sea pieza activa en la planeación estratégica. Cómo despertamos interés de ambas partes por colaborar y construir juntas. 

ESTUDIO:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu cliente a las primeras sesiones de exploración creativa?

Cuándo llega un cliente nuevo, ¿qué estás haciendo para asegurar que entiendes el meollo de su problemática comercial? ¿el rol del entregable que te pide?

¿Qué estás haciendo para que conozca y entienda el proceso creativo? ¿Su injerencia en el mismo?

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CLIENTE:

¿Cuándo fue la última vez que invitaste a tu estudio a una sesión de planeación estratégica? ¿A una junta comercial?

Cuándo pides una propuesta económica, ¿cuándo fue la última vez que ANTES de pedir una propuesta para un entregable específico, te sentaste a platicar acerca de tu problema y escuchaste la recomendación acerca del entregable?

CREEMOS QUE EL PIMER PASO PARA UN PROYECTO CREATIVO CON LO MEJOR DE AMBAS PARTES ES DEJAR DE HABLAR DE ENTREGABLES, Y EMPEZAR A HABLAR DE PROBLEMAS.  LA EMPRESA NO NECESITA UN PINTOR, NECESITA UN PSICÓLOGO. TRAIGAN SUS PROBLEMAS Y JUNTOS, ESTUDIO Y CLIENTE, EXPLOREMOS LAS POSIBLES SOLUCIONES. 

 

 

Todos tenemos un yo creativo

Siguiendo en las líneas de apostarle a nuestro yo creativo, nos gustaría contar la historia de Doug Dietz. Un hombre que sin considerarse creativo, sino ‘simplemente’ un diseñador de maquinas de resonancia magnética, transformó un capitulo de la medicina gracias al diseño.

Así se ve una máquina de IRM:

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Impresionante, ¿no? Cero amigable, muy grande y pesada.

Ahora imagina tener que meterte y quedarte muy quieto. Ahora imagina que tienes 6 años.

Cuando Dietz vio que los niños lloraban de terror ante el prospecto de entrar en la máquina y supo que tenían que sedar al 80% de los pacientes para que permanecieran quietos, supo que tenía que hacer algo. Se avergonzó de haber diseñado algo que, si bien salva vidas, también agrega sufrimiento a niños enfermos.

Doug no se consideraba creativo, pero se le atravesó un curso de ‘design thinking’ que tomó y aplicó. 

¿El resultado? Rediseñó la experiencia. Convirtió una entrada a la maquina, en una aventura: Redecoró el espacio, el equipo y entrenaron a los técnicos en manejo de niños.

Aquí la máquina:

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Hoy en día, solamente sedan al 10% de los niños. Incluso algunos “piden regresar a jugar al día siguiente”.

¿Qué me queda de esta historia? Nada está diseñado, nada está terminado. No debemos conformarnos con el status quo. Todos, creativos oficiales o negados, tenemos el poder de transformar con nuestro pensamiento, el mundo que nos rodea. El diseño es más poderoso de lo que creemos, y es necesario en rincones que nunca se nos hubieran ocurrido.

Éste señor es Doug Dietz:

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Aquí el video de su plática de Tedx:

 

 

Cómo hacerse diseñador en 1 paso

Seguimos en espíritu de estreno con el blog en [BAMF].  Como estudio creativo pertenecemos al bando de “los creativos”. A cada rato escuchamos a un cliente decir cosas como “ustedes saben”, “ustedes son los creativos”, “soy ingeniero, soy abogado, soy… no soy creativo”.

Así que en este post queremos defender la creatividad que vive en todos y cada uno de nosotros. Somos amantes de la creatividad y creemos que todo aquel que quiera explorarla, vivirla o desarrollarla, lo único que tiene que hacer es aventarse.

Para muestra, los pininos de ilustración de una de las consultoras, administradora de profesión, anclada en la estrategia de los proyectos y no la ejecución. Después de todo, nadie dijo que saber excel impide saber programas de diseño.

ElBraMaldito

¿Le falta trabajo? ¡Por su puesto! ¿Está “chafitas”? ¡Sin duda!

Pero este post no habla acerca de cómo hacerte diseñador de clase mundial en un paso, habla de cómo hacerte diseñador en un paso, punto. ¿Qué paso?

Paso 1:  Arrancar

Así, como todo en la vida, las cosas se hacen haciendo.

No tienes que perder tu foco profesional. La consultora sigue clavada en desarrollar estrategias de marca que doten a un producto o servicio de una voz real, interesante, distinta, que den ganas de escuchar. Pero también se está dando un tiempito para ejecutar, para perseguir otras pasiones como el dibujo y la redacción.

Después de todo, no venimos a este mundo a cobrar un cheque, sino a llenar la vida, lo más posible, de momentos que nos enriquezcan y nos hagan felices.

WACOM 0 – Consultora de marca 1

Stubborn brands

Porque no hay nada peor que una marca tibia, mediocre y ciega; aquí algunos pensamientos para sacudirnos las polillas (y la comodidad).

¿Qué está haciendo la empresa para no caer en un lugar cómodo?

¿Cuándo fué la última vez que la empresa se cuestionó (IE. producto, servicio, procesos, managment o hasta la decoración)?

¿Existe la frase “todo está perfecto” en el vocabulario?

¿Hace tiempo que los logros se dan fácilmente?

Reinvención: ¿Motivación o Parálisis?

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